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Visuelle Spuren kolonialer Vergangenheit und Stellenwert der Aufarbeitung kolonialer Bildarchive

Romuald Valentin Nkouda Sopgui beleuchtet in diesem Beitrag, wie koloniale Bildarchive visuelle Spuren vergangener Machtverhältnisse bewahren und warum ihre Aufarbeitung heute von entscheidender Bedeutung ist.

In diesem Blogbeitrag wird beleuchtet, wie koloniale Bildarchive visuelle Spuren vergangener Machtverhältnisse bewahren und warum ihre Aufarbeitung heute von entscheidender Bedeutung ist. Im Rahmen dessen werden einige Fotografien aus der Zeit der deutschen Kolonialherrschaft in Kamerun präsentiert, um die Verflechtung von Vergangenheit und Gegenwart exemplarisch zu veranschaulichen.

This blog post examines how colonial image archives preserve visual traces of past power relations and why it is crucial to address them today. In this context, several photographs from the period of German colonial rule in Cameroon are presented to illustrate the intertwining of past and present.


Kolonialbildarchive spiegeln koloniale Wissensordnungen wider. In ihnen verdichten sich koloniale Blickregime. Die Auseinandersetzung mit diesen Archiven ermöglicht nicht nur den Zugang zu visuellen Spuren kolonialer Vergangenheit, sondern macht auch deren gegenwärtige Deutung aus unterschiedlichen Perspektiven beispielsweise im Hinblick auf Restitution und ethische Verantwortung sichtbar. Die Auseinandersetzung mit der kolonialen Vergangenheit hat in den letzten Jahren an Aktualität gewonnen. Der Fokus dabei liegt zunehmend auch auf Artefakten, von entwendeten Kulturgütern bis hin zu visuellen Spuren. Fotografien der Kolonialzeit zeugen von der Tatsache, dass die Geschichte kolonialer Herrschaft in vielerlei Hinsicht eine Geschichte visueller Darstellung war.[1]

Wie andere europäische Nationen nutzte auch das deutsche Kolonialreich das Medium Fotografie, um seine kolonialen Bestrebungen zu verwirklichen und das eigene imperialistische Selbstbild zu verstärken. Besonders in Kamerun, das zwischen 1884 und 1914 unter deutschem „Schutz“ stand, sind umfangreiche Bildbestände entstanden. Zahlreiche bundesdeutsche Archive und Museen bewahren Kolonialfotografien aus Kamerun auf. Diese Fotografien bilden „Kolonialbildarchive“, d.h. die Gesamtheit aller Bilder, die dieser Kategorie zuzuordnen sind und den Weg in Archive und Sammlungen gefunden haben.

Heutzutage können „Kolonialbildarchive“ als Orte begriffen werden, an denen Gegenwart und Vergangenheit ineinandergreifen, als Räume, in denen Kolonialerinnerung und -kritik zugleich stattfinden. Fragen, die man sich diesbezüglich stellen kann, lauten: Welche Bedeutungen entfalten Fotografien im Spannungsfeld von visuellem Erbe und kolonialer Aufarbeitung? Wie sieht es aus mit den kolonialen Beziehungen in der Praxis von Museen und Archiven? Welche materiellen und kuratorischen Praktiken beeinflussen weiterhin die aktuellen Überlegungen im Umgang mit kolonialen Fotografien?

Für die deutsche Kolonialmacht in Kamerun waren Bilder ein wichtiges Instrument, um Wissen zu sammeln, Territorium zu kartieren und Macht zu inszenieren. Visuelle Aufnahmen dokumentieren eine Vielzahl von Themen, die von den Forschungsexpeditionen über die ethnografischen Studien und die kolonialen Verwaltungstätigkeiten bis hin zum Bau der Infrastruktur und den Momenten kolonialer Selbstrepräsentation reichen. Die bildlichen Darstellungen sowie die Beschriftungen der Bilder stehen beispielhaft für den Vorgang des Otherings, der das Deutsche Kolonialreich als “zivilisatorisch” und “technisch fortschrittlich” seinem “rückständig” erscheinenden kolonialen Gebiet gegenüberstellt.[2]

Koloniale Expeditionen im Bild: Erkundung und Besitzergreifung

Expeditionsfotografie in Kamerun erfüllte eine klare Funktion; sie sollte das unbekannte Territorium kartieren, sichtbar machen und damit für koloniale Herrschaft verfügbar halten.

Beschriftung: Mein Expeditionspersonal. Gehilfe, Polizeisoldaten, Köche, Boys, Dolmetscher, Arbeiter. Fotograf: Guillemain, Constantin. Portraitiert. Guillemain, Constantin (1873-1914). Aufgenommen etwa 1906. Ort: Kamerun. Signatur: 081-3200-38. Quelle: Bildarchiv der Deutschen Kolonialgesellschaft, Universitätsbibliothek Frankfurt am Main.

Die Kameras der Forscher richteten sich auf Flüsse, Wälder, Dörfer und Wege. Bei den Expeditionen wurden nicht nur Landschaften, sondern auch Menschen und Dorfgemeinschaften dokumentiert. „Stammesführer“ oder „typische Vertreter“ bestimmter Ethnien wurden oft in inszenierten Posen abgelichtet, die den kolonialen Erwartungen entsprachen.   

Beschriftung: Mädchen der Hausa, die Tontöpfe tragen. Darstellung: Hausa. Fotograf : Rudolf Oldenburg, 1907/1913, Kamerun. Signatur: PhMAf 2100. Quelle: GRASSI Museum für Völkerkunde zu Leipzig.

Heute können diese Aufnahmen aus einer doppelten Perspektive gelesen werden: Einerseits liefern sie historische Hinweise zu Kleidung oder sozialen Konstellationen. Andererseits verdeutlichen sie, wie sehr der koloniale Blick das Bild bestimmte und dabei Stereotypen zugrunde legte. 

Ethnografische Studien: Körper im Fokus

Einen besonders heiklen Bereich der Kolonialfotografie bilden ethnografische Porträts. In vielen Sammlungen finden sich Reihen von Fotografien, auf denen Menschen frontal und im Profil abgebildet werden. Ziel war es, „wissenschaftliche“ Vergleiche zu ermöglichen, etwa zu Körper- und Gesichtszügen.

Beschriftung: Anthropometrische Aufnahmen eines Mädchens aus Bagam. Fotograf: Rudolf Oldenburg, 1907/1913, Bagam, Kamerun. Signatur: PhMAf 2553. Quelle: GRASSI Museum für Völkerkunde zu Leipzig.

Diese Praxis war Teil eines rassistischen Wissenssystems, das Menschen kategorisierte und hierarchisierte. Solche Aufnahmen sind heute belastete Quellen. Sie machen die Gewalt des kolonialen Blicks sichtbar: die abgebildeten Subjekte wurden auf ihre Körper reduziert und zu Studienobjekten degradiert.  

Infrastrukturprojekte: visueller Fortschritt und technische Errungenschaft

Neben Expeditionen und ethnografischen Aufnahmen wurden auch Infrastrukturprojekte intensiv fotografiert. Der Bau von Straßen, Eisenbahnen, Verwaltungsgebäuden oder Plantagen war für die Kolonialmacht nicht nur ein Mittel wirtschaftlicher Ausbeutung, sondern auch ein Symbol der „zivilisatorischen Mission“.

Beschriftung: Sanagabrücke, Kamerun. Ausgeführt von Gutehoffnungshütte Oberhausen, 1911, Nachlassgeber: Kühne, Ludwig. Herkunft: Schenkung Basfeld. Register-Nr.: FoA vi-KUE-GD199. Quelle: Frobenius-Institut für Kulturanthropologische Forschung Frankfurt am Main.

Kolonialfotografien von Brücken in Kamerun sind nicht nur Dokumente technischer Errungenschaften und architektonischer Leistungen, sondern inszenieren auch einen kolonialen Fortschrittsmythos. Allerdings verbergen sie oft die Ausbeutungsbedingungen, unter denen sie entstanden sind, nämlich Zwangsarbeit und damit einhergehende Gewalt.

Visuelle Selbstinszenierung und koloniales Selbstbild

Ein zentrales Motiv der Kolonialfotografie war die Selbstinszenierung der Kolonisatoren. Gruppenaufnahmen von Offizieren, Verwaltungsbeamten oder Siedlern zeigen, wie die deutschen Akteure sich selbst inszenierten: als Entdecker, als Herren über das Land, als Träger einer überlegenen Kultur.

Beschriftung: Besichtigung der Kameruner Nordbahn 1910/11. Fotograf: Herzog Adolf Friedrich zu Mecklenburg. Afrika/Zentralafrika/Kamerun. Signatur: 2016.13:6. Quelle: MARKK Hamburg.
Beschriftung: Jagdszene mit Europäer 1911-1913. Fotografin: Marie Pauline Thorbecke. Afrika/West-Afrika/Kamerun. Signatur: FT531. Quelle: RJM, Köln.

Diese Bilder dienten sowohl privaten Zwecken – etwa als Erinnerungsfotos für die Familien in Deutschland – als auch einer breiteren Öffentlichkeitsarbeit. In Ausstellungen, illustrierten Zeitschriften oder Kolonialalben trugen sie zur Legitimation des kolonialen Projekts bei.

Aufarbeitung kolonialer Vergangenheit in Bildarchiven

Die Diskussion zur Kolonialaufarbeitung bildet seit einigen Jahren einen Bestandteil gesellschaftspolitischer Debatten. Als Kolonialaufarbeitung werden Prozesse bezeichnet, in denen Gesellschaften, Institutionen und Einzelpersonen die Kolonialvergangenheit kritisch reflektieren, ihre Folgen für Gegenwart und Zukunft untersuchen und nach Wegen für einen gerechten Umgang suchen. Ein zentraler Bezugspunkt der Kolonialaufarbeitung ist die Frage, wie mit Kulturerbe aus kolonialen Kontexten umgegangen werden soll.[3]

Archive und Museen, in denen koloniale Objekte und Sammlungen aufbewahrt werden, sind zu einem Spannungsfeld postkolonialer Debatten geworden. Denn bis heute ist die Tradition, andere auszustellen, stark kolonialistisch geprägt, sodass gerade hier Revisionen und Problematisierungen nahe liegen.[4] Der Anspruch dieser Institutionen ist es, Orte der interkulturellen Begegnung zu schaffen, an denen dem „Fremden“ mit Achtung und Respekt begegnet wird. Die postkoloniale Kritik richtet ihr Augenmerk nicht nur darauf, wie Kolonialfotografien als Trophäen des Kolonialismus fungieren, sondern auch auf die Grenzziehungen und Machtansprüche, durch die solche Exponate gekennzeichnet werden. Eine verantwortungsvolle kuratorische Praxis bedeutet, etwa am Beispiel der Abbildung „Anthropometrische Aufnahmen eines Mädchens aus Bagam“, die Instrumentalisierung der Abgebildeten zu thematisieren und Fragen nach der ethischen Zugänglichkeit sowie nach Kontextualisierung aufzuwerfen.

Die Auseinandersetzung mit Kolonialbildarchiven aus Kamerun eröffnet nicht nur Bildhistorische Perspektiven, sondern auch eine rechtlich-ethische Dimension, die auch im Rahmen historischer Gerechtigkeit verhandelt werden soll. Fotografien aus der Kolonialzeit in Kamerun entstanden in einem Kontext asymmetrischer Machtverhältnisse zwischen Kolonisierenden und Kolonisierten. Dabei wurden Menschen aus Kamerun oftmals nicht als Subjekte mit eigener Würde, Geschichte und Stimme abgebildet, sondern als Objekte kolonialer Kontrolle, als exotische „Typen“, als „Beweise“ für rassistische Ideologien oder als „Beute“ ethnografischer Sammlungen.[5] Entscheidend ist es, die historische Gewalt im Medium der Fotografie nicht zu verdecken, sondern transparent zu verhandeln und zugleich den Blick auf die abgebildeten Menschen als handelnde Subjekte ihrer Geschichte zurückzugewinnen.


[1] Jens Jäger, Fotografie und Geschichte, Frankfurt am Main 2009.  

[2] David Bate, Photography and Colonial Vision, Third Text 7 (1993) 22, 81–91.

[3] Margareta von Oswald/Jonas Tinius (Eds.), Across Anthropology: Troubling Colonial Legacies, Museums, and the Curatorial, Leuven 2020.

[4] Nadine Kulbe/Theresa Jacobs u.a. (Hg.), Bildarchive. Wissensordnungen, Arbeitspraktiken, Nutzungspotenziale, Dresden 2022.

[5] Thomas Theye (Hg.), Der geraubte Schatten. Eine Weltreise im Spiegel der ethnographischen Photographie, München 1989.


Foto: Privat.

Romuald Valentin Nkouda Sopgui ist Dozent (Senior Lecturer) für deutsche Literatur und Kultur im Fachbereich Fremdsprachen an der Pädagogischen Hochschule der Universität Maroua (Kamerun). 2025 war er Value of the Past-Fellow am IEG – Leibniz Institut für Europäische Geschichte Mainz.


Titelbild: Beschriftung: Kamerun. Mongonge. Deutscher Forscher vor einem Fetisch (Holz, geschnitzt) am Dorfeingang. Foto: Unbekannter Fotograf, um 1900. Aufnahme-Nr: df-Hauptkatalog-0278656. 

Between Sacredness and Bulldozers: The Struggle over Sulaiman-Too’s Cemeteries

Aksana Ismailbekova writes about the competing claims on Sulaiman-Too, the only UNESCO World Heritage Site in Kyrgyzstan, and how memory and development clash in this context.

Sulaiman-Too in Osh, Kyrgyzstan, intertwines sacred space, religion, memory, and kinship. Cemeteries honor ancestors, transmit knowledge, and sustain community, yet state-led urban development threatens graves, exposing tensions between heritage, religious devotion, and modernization.

Sulaiman-Too in Osch, Kirgistan, verbindet heilige Erde, Religion, Erinnerung und Familien miteinander. Die Friedhöfe dort dienen der Ehrung der Vorfahren, sie vermitteln Wissen und stärken die Gemeinschaft, doch die staatlich gelenkte Stadtentwicklung bedroht die Gräber und offenbart Spannungen zwischen Kulturerbe, religiöser Hingabe und Modernisierung.


Sulaiman-Too (“Solomon’s Mountain”), a UNESCO World Heritage Site in Osh, Kyrgyzstan. For centuries it has been a pilgrimage site and sacred burial ground. Photo: Aksana Ismailbekova.

In Central Asia, as in many parts of the world, to disturb the dead is to disturb the moral order. Graves are not mere plots of land; they are nodes in a network of sacred relations. When the state burns or bulldozes cemeteries, it risks burning bridges of trust with its citizens. This intertwining of sacred space, memory, and community is not limited to cemeteries alone. It extends to other sites of devotion and pilgrimage, such as Sulaiman-Too, the sacred mountain which is located at the heart of Osh in southern Kyrgyzstan. The mountain is not only a geological landmark in the Fergana Valley, but also a spiritual place that has attracted pilgrims, saints, migrants, and ordinary believers for centuries. Sulaiman-Too was a site of ritual devotion. This mountain also has a reputation of being a holy place, hosting shrines, mosques, and sacred caves[1].

But Sulaiman-Too is also a place for the deceased relatives of many Osh residents. Since Soviet times, the mountain’s slopes are occupied by numerous cemeteries — the resting places of Kyrgyz, Uzbeks, Tatars, and others who used to live in Osh and called this their home. Among the graves lie prominent Soviet-era singers, scholars, community leaders, and ordinary local people. The families of these people would get together during Ramadan to clean the graves, pray, and honour the memory of their ancestors. This commemoration is also an important family and religious ritual where all the family members within several generations would learn the importance of the remembrance of their deceased relatives, passing on oral knowledge about the names and lives of their ancestors that might otherwise be forgotten[2]. This is a key part of local kinship systems, linking past, present and future through social gatherings during Ramadan.

Yet, in recent years this sacred geography has collided with the ambitions of the current state. The recent cemeteries have been burned, graves dismantled, and bones exhumed in the name of urban development, road extension, and “green zones.” As the mayor of the city said ‘let us remove all the cemeteries in order to create a green zone to earn money from tourists’[3].

A Cemetery in Conflict

Local residents recall that during the Soviet Union, the state decided to use Sulaiman-Too for burials — partly due to a shortage of land, partly to free up fertile fields for cotton production. Between the 1960s and 1978, the southern cemetery was active; burials in the northern cemetery continued until as late as 2013. In total, more than a thousand people were laid to rest on the slopes.

By law, graves should not be reused or repurposed until at least 25–30 years have passed. Yet, according to residents, the state began pressuring families to relocate remains barely 13 years after the last burials. Bulldozers appeared. The mayor’s office spoke of re-cultivation, greening, and urban development[4].

Every year some tragic episodes occur where parts of the cemeteries are burnt in what are apparently wildfires. Official explanations point to climatic conditions and accidental fires. Some local residents, however, pin blame on a lack of water due to the state not maintaining irrigation systems, and others see it as an intentional attempt to clear space for new projects.

For many families in Osh, this was not only an outrage but a deep spiritual violation. As one elderly resident told me, “99% of those buried here are our ancestors. Some of the bones belong to people whose children and grandchildren are still alive, live nearby and visit them often. This place is sacred for Uzbeks, but also for all the peoples of Osh.”

Cemetries near the Sulaiman Mountain. Photo by a local resident (anonymous).

Three Days to Collect the Dead

In July 2025, the situation also escalated dramatically in other parts of Osh city, where the decision was to remove the cemeteries located near the local mahallas in order to widen the roads. Residents were told they had just three days to exhume their relatives and re-bury them elsewhere. Those who lived in Osh had to carry bones down the mountain and pay the required 3,000 som (30 Euro) fee for a new burial site[5]. But what about families who had migrated to Russia or Europe? Many could not return in time. Their ancestors’ remains were collected in heaps, with bones buried together in communal graves.

This rushed process left many residents in shock. An 88-year-old male informant, whose parents were buried on the mountain, recalled bitterly: “We have lived here for generations. How can they [the State] tell us our cemeteries must disappear? They want to make a park, a green zone. But our ancestors deserve peace. Let the deceased rest in peace, please!”

Development vs. Memory

The dispute over Sulaiman-Too’s cemeteries is not just about land. It is about ethnicity, such as Uzbek mahalla cemeteries versus the Kyrgyz state. It is also the clash between heritage and development, sacredness and business. The state envisions wide roads, recreational spaces, and tourist-friendly landscapes. But Osh residents envision continuity — a landscape where the living cares for the dead, where cemeteries signify communal identity, and inter-generational knowledge is transferred.

One of the most painful aspects has been the silencing of disagreement. Few locals dare to protest openly, fearing repercussions from the authorities. One man explained, “We cannot express our opinions, as this may lead to problems and pressure from the state.” Another added, “Please broaden the road on the other side of the road. But don’t disturb the graves.” Their requests, however, were ignored.

The cemetery of the Soviet deputy,Sultanov Kadyrmat, who used to be a member of national parliament. Photo by a local resident (anonymous).

Sacred Mountain, Global Heritage

The irony is that Sulaiman-Too is a UNESCO World Heritage Site. Its cultural and spiritual significance is internationally recognized. Tourists climb its trails, visiting sacred caves and shrines. Yet, the cemeteries — equally a part of its sacred landscape — are treated as obstacles to development.

For some locals, hope lies precisely in UNESCO. One community elder, Aziz, aged 76, expressed faith that international protection might shield their cemeteries: “UNESCO supported us before. They sponsored our houses. Tourists do not only come to see the mountain or the apartment blocks, but also to see the traditional houses of the people living there, their clothing, and their customs. Maybe they will protect us again.”

But UNESCO’s mandate is limited, and cultural heritage often becomes a battleground of selective preservation. Which parts of the past deserve saving? Which can be erased for the sake of “progress”?

Why Cemeteries Matter

To outsiders, it may be tempting to see cemeteries as replaceable, especially in crowded cities, such as Osh. Yet anthropology reminds us that cemeteries are not just about the dead — they are about the living. They are places where memory is protected, where families renew bonds across generations, where cultural identity is affirmed. This is the heart of the local kinship system, Islam and community.

It is precisely this deeper social and religious significance that makes current developments in Osh resonate with earlier historical struggles. There is a parallel between Soviet times and today: while burial rites were actively defended against state repression during the Soviet era, today they face new pressures—urban development and shifting social priorities—that threaten their continuity. In both cases, cemeteries symbolize a boundary for the community, marking a domain where religious identity and kinship ties must be protected. As Marianne Kamp (2010) argues, during the Soviet times death practices (i.e., performing funeral prayers) represented a kind of red line for Central Asians, and many were ready to defend them against the state at any cost, especially when other religious practices were repressed.[6]

Between Stones and Stories

The story of Sulaiman-Too’s cemeteries is unfinished. After the Soviet times, new state projects (i.e. between Soviet times and the current developments in Osh) threaten the graves every year. Each year, the state plans the expansion of roads against the quiet resistance of families. Meanwhile, tourists snap photos of the mountain, unaware that just beyond the trail lies a battlefield of memory.

As one local put it emotionally: “This is not only a cemetery. It is our history, our ancestors, our identity. To erase it is to erase us.”

The future of Sulaiman-Too will depend on whether development can learn to coexist with sacredness — whether roads and green zones can be built without uprooting bones. For now, the mountain stands as a reminder: heritage is not just about monuments, but about the fragile bond between the living and the dead.


[1] Liu, Morgan. 2012. Under Solomon’s Throne. Uzbek Visions of Renewal in Osh. Pittsburgh:University of Pittsburgh Press.

[2] Ismailbekova, A. 2017 Blood Ties and the Native Son: Poetics of Patronage in Kyrgyzstan. Bloomington: Indiana University Press.

[3] https://www.facebook.com/watch/?v=1157690362852446&rdid=Hhg4YvfQirEo59NI

[4] https://www.facebook.com/watch/?v=1157690362852446&rdid=Hhg4YvfQirEo59NI

[5] https://www.facebook.com/watch/?v=1101498778600604&rdid=bCohodiCTh5OaIFm

[6] Kamp, M. (2010) ‘Where did the mullahs go? Oral histories from rural Uzbekistan’, Die Welt des Islams, 50(3–4), pp. 503–531.


Aksana Ismailbekova is a Research Fellow at Leibniz-Zentrum Moderner Orient (ZMO) in Berlin. In 2025 she was a Leibniz — Newcastle University Fellow.


Title picture: Gateway to a staircase leading to a museum precinct on Sulaiman-Too mountain. Adam Harangozó, CC BY-SA 4.0.

Memory-making in tourism: a call for a more differentiated discussion

Alena Pfoser and Sabine Stach analyse the production and circulation of memories in the arena of tourism.

Tourism is an important arena for the production and circulation of memories in today’s societies. In their recent article in the journal Memory Studies, Alena Pfoser and Sabine Stach argue for a more systematic investigation of this tourism-memory nexus.

In unserer heutigen Gesellschaft stellt der Tourismus einen zentralen Ort der Produktion und Zirkulation von Erinnerungen dar. In ihrem kürzlich erschienenen Artikel in der Zeitschrift Memory Studies plädieren Alena Pfoser und Sabine Stach für eine systematischere Untersuchung dieses Zusammenhangs zwischen Tourismus und Erinnerung.


Tourist destinations often invite us to travel back in time, to experience a time stood still or turned back. Iconic heritage sites and museums are major tourist attractions, visited by millions of tourists each year. Alongside well-preserved old towns, iconic architecture, or ancient cultural sites, more recent and obscure pasts – such as memories of communism, recent revolutions and industrial heritage – have been incorporated into the tourism industry. Tourism is also driven by individual memories of past visits, personal and family ties that can stimulate a desire to (re)visit them. Moreover, tourism also creates new memories in the form of stories, photographs and souvenirs that are taken back home and shared with others.

Holiday mementos for sale (Source: Sunguk Kim, Unsplash, Creative Commons).

Despite the obvious (yet complex) connections between tourism and memory-making, tourism remains surprisingly underexamined in memory studies research. When we, two researchers working on guided city tours in different contexts in Eastern Europe, met for the first time in May 2019, it was quickly apparent that we had a similar view of the limitations of existing research. Tourist sites appear to be primarily the subject of heritage studies, which have long been critically concerned with questions of the construction and management of cultural heritage. Moreover, the topic of tourism has also increasingly become the focus of academic debates in history, history education and, above all, public history. Often, the term “history tourism” (in German “Geschichtstourismus”) is used to analyse the integration of memorial sites and “authentic places” into tourism industry offers. However, while these fields of study have some overlapping concerns, we thought that bringing tourism into conversation with work in memory studies offered both more focused and nuanced perspective on memory and the remembering process in tourism. Our following exchange resulted in an article that was recently published in Memory Studies. There, we not only sought to provide a critical reflection on these limitations but also put forward a vision of how an expanded examination of the “tourism-memory nexus” could look like.

A bibliometric analysis of tourism in memory research

To go beyond our own impressions of the literature, we first conducted bibliometric research of the most significant peer-reviewed journals in memory studies: Memory Studies (2008-), History & Memory (1998-), Memory, Mind and Media (2022-). We identified a total of 134 articles, out of which 19 mentioned “tourism” either in their title, keywords, or abstract. Most of the remaining 115 articles did not have tourism as their focus, but examined for example the creation of heritage sites or city branding processes and dedicated a smaller part of their analysis to tourism planning or promotion. Other articles focused on museums and memorials and discussed visitor practices and/or the reception of sites as part of the analysis but did not address questions of touristification nor explored tourists’ meaning-making in detail. Apart from confirming our impression of the limited preoccupation with tourism in memory research, the analysis also showed a narrow thematic focus on sites associated with violence and trauma. Over two thirds of articles discussed “difficult pasts / dark tourism” such as studies on battlefield tourism, concentration camps, prisons, and war memorials. The number of articles focusing on other themes were particularly small when considering only those publications that had tourism as their primary focus, with only seven articles discussing subjects beyond difficult pasts.

Themes of tourism-related articles in memory studies journals (Source: Pfoser & Stach, 2024, own calculations).

Castles, neighbourhoods and museum shops as sites of remembering

Moving beyond this narrow focus, we firstly propose to expand the range of sites examined in the literature to include those with a high tourist appeal such as ancient, medieval or early modern heritage. Despite their popularity with families, such sites are usually only discussed in terms of monument preservation and heritage management. Castles, city fortifications, rulers’ residences or townhouses seem to belong to an unproblematic, picturesque “distant past” that can be touristified in whatever way one likes (Groebner, 2013: 412–414). Alongside an examination of these sites, we should also reflect upon the “tourist component” of sites already in focus, considering them as destinations anchored in the international tourism industry. This involves an analysis of consumer infrastructures such as museum shops and of the planning and designing of sites for tourists. Finally, a broader understanding of toured sites should encompass memory processes that refer to multiple sites including the analysis of itineraries and the work of tour guides who put sites in an order and make them part of an overarching narrative, thereby producing new meanings.

Memories of joy and entertainment

Alongside the expansion of sites, we also need to expand the analysis of the variety of modes of remembering. As understandable as the focus on difficult heritage is, it is equally important to question the seemingly natural link between memory research and trauma. Scholars such as Ann Rigney (2018: 370) have argued for a “positive turn” in memory studies scholarship, which can also be built on work on memory-making in tourism. This is particularly important as tourism is closely associated with fun, relaxation and entertainment. Criticism of tourism has also underlined the notion of tourism as a hedonic, light, joyful, and somewhat superficial experience. It is reasonable to ask whether this discredits tourism as an object of research, or whether entertainment and fun should instead be brought into its focus. This includes individual, joyful, and playful but also voyeuristic, escapist, and entertainment-centred modes of remembering. We argue that tourism offers a unique opportunity to engage more fully with these modes and their interconnections with others, allowing us to move beyond a normative approach that implies a division between legitimate, i.e. empathic and reflective, and less legitimate, i.e. self-centered and hedonic, modes of remembering.

Museum shops: an understudied site of memory-making (Source: Erikk Pung, Unsplash, Creative Commons).

Multiscalar tourism memories

Finally, research on memory-making can also build on discussions of scales in memory studies research. We argue that more attention needs to go into the scale of personal and autobiographical remembering. As Sabine Marschall (2012: 2217) wrote, memory-making in tourism “does not necessarily require the presence of monuments and precious cultural objects, but relies on embodied memories that evoke emotions”. Memories are actively used by tourists to construct images of self and other. Prior to their trip, when making decisions of where to travel, and during and after their trips, tourists draw on their own past experiences as well as socially and culturally transmitted understandings of the past.

Moreover, as tourism routinely involves border crossing, tourism lends itself well to analysis of transnational remembering, allowing us to analyse both the deterritorialisation and transnationalisation of memory in tourism institutions and practices and its reterritorialisation in particular places. As our work on tour guiding shows, international tourism enables a transnational negotiation of memory that results not necessarily in the creation of cosmopolitan frameworks that replace the national ones but can also lead to pragmatic interpretative adjustments and selective silences as a response to mnemonic difference, pointing to the translations and frictions of transnational memory work.

For a more nuanced discussion of tourism memories

Tourism continues to be conceived implicitly or explicitly as diminishing memory, detaching it from the past and rendering it inauthentic and trivial. Our hope is that by expanding the study of memory-making in tourism to cover a range of sites, modes and scales we can contribute to a destigmatisation of tourism as a research subject and reach a richer and more differentiated understanding of the tourism-memory nexus. In fact, modes of remembering in tourism often are politically more ambiguous and can stand in contrast with the memories of hope that have been at the centre of a ‘positive turn’ in memory studies. Yet, memories based on direct tourist encounters can also challenge hostile conceptions of the other, and the idleness that tourism at least partly enables can act as counterweight in a world driven by the demands of speed. Instead of being dismissed, memory-making in tourism deserves a more nuanced discussion.


Bibliography

Groebner V (2013) Touristischer Geschichtsgebrauch. Über einige Merkmale neuer Vergangenheiten im 20. und 21. Jahrhundert. Historische Zeitschrift 296: 408–428

Marschall S (2012) Tourism and memory. Annals of Tourism Research 39(4): 2216–2219.

Pfoser A & Stach S (2024) Beyond difficult pasts: Towards a fuller understanding of memory-making in tourism. Memory Studies.

Rigney A (2018) Remembering hope: transnational activism beyond the traumatic. Memory Studies 11(3): 368–380.


Sabine Stach is a researcher at GWZO Leipzig in the department “Culture and Imagination“.

Alena Pfoser is a senior lecturer in Communication and Media Studies at Loughborough University, UK.


Title picture: Playing with heritage (Source: Jakob Owens, Unsplash, Creative Commons).

Extinct but not forgotten: how museum collections help study the evolution of Hawaiian honeycreepers

In diesem Beitrag von Grigory Evtukh über Hawaiianische Kleidervögel lernen wir, wie naturkundliche Museumssammlungen etwas zum Schutz der Biodiversität beitragen können.

More than half of the Hawaiian honeycreeper species have disappeared, and the remaining ones are struggling to survive. How do museum collections help us study their past and prevent further losses?

Über die Hälfte der Hawaiianischen Kleidervögel-Arten sind ausgestorben, und die verbleibenden kämpfen ums Überleben. Wie helfen Museumssammlungen, ihre Vergangenheit zu erforschen und weitere Verluste zu verhindern?


I sit in the basement of the Cambridge Museum of Zoology, next to a humming ventilation system. The collections here are hidden from visitors, stored in metal cabinets filled with drawers of bird specimens. Today, the museum collections manager brought out one of specimens and carefully placed it on the table. I saw before me the only Hawaiʻi mamo (Drepanis pacifica) specimen in the Cambridge Museum collection. It was stored under a glass dome on a velvet-covered platform, giving it an almost ceremonial presence. This taxidermy specimen, collected in the mid-19th century, depicts the bird perched on a branch with its wings slightly spread. Its glass eyes look strikingly lifelike, even though no living representatives of this species remain in the world.

Surrounded by these silent witnesses of the past, I ask myself: what can we learn from these birds that are no longer seen in the wild? And more importantly, how can this knowledge help protect those that still survive?

A taxidermy specimen of the extinct Hawaiʻi mamo (Drepanis pacifica) from the Cambridge Museum of Zoology. The specimen is mounted on a wooden perch with original collection tags attached. [Image credit: Grigory Evtukh]

What are Hawaiian honeycreepers and why are they disappearing?

Hawaiian honeycreepers (Drepanidinae) are a group of birds within the finch family (Fringillidae) that evolved in isolation on the Hawaiian Islands. Due to the absence of competitors and predators, they occupied a variety of ecological niches, evolving into dozens of species with unique adaptations: long, curved beaks for nectar feeding, powerful beaks for cracking seeds, and even specialized beaks for extracting larvae from under tree bark.

However, with the arrival of humans, the situation changed drastically. Introduced animals like cats, rats and pigs, diseases such as avian malaria, and deforestation led to the extinction of at least 34 species of Hawaiian honeycreepers, with 14 disappearing after the arrival of Polynesians and another 20 following European colonization. The most significant losses occurred in the 20th century, as honeycreeper populations began to decline rapidly due to the spread of mosquitoes carrying avian malaria. Some of the remaining species are now on the brink of extinction. This group of birds historically included at least 57 species, yet today, fewer than half of Hawaii’s once-thriving honeycreeper species still exist. Birds that once thrived in the montane forests of Hawaii have now become symbols of the region’s ecological crisis.

Museum collections as a source of knowledge

Collections like those in Cambridge allow scientists to study both extinct and surviving species. The museum holds dozens of honeycreeper specimens, including type specimens described as early as the 19th century. Each specimen represents a frozen moment in evolutionary history. Museum collections offer the opportunity to study morphology, examine anatomical changes, and even reconstruct past ecosystems.

In my research, I use standardized photography and microCT scanning methods. These technologies allow for a detailed analysis of beak shape, skull structure, and other morphological features. For example, I compare honeycreeper beaks of different lengths and curvatures. In combination with phylogeny this data will help me to understand how fast these birds change their morphological features and evolve.

A traditional Hawaiian feather cloak (ʻahuʻula) made from olona fiber netting and feathers of the ʻiʻiwi (Drepanis coccinea), ʻōʻō (Moho spp.), and mamo (Drepanis pacifica). Creating a single cloak required the feathers of hundreds, sometimes thousands, of birds, many of which were captured and killed specifically for this purpose, contributing to the decline of several species, including the now-extinct Hawaiʻi mamo. In German, Hawaiian honeycreepers are referred to as “Kleidervögel” (clothing birds) due to their historical use in featherwork. [Image credit: © The Trustees of the British Museum, CC BY-NC-SA 4.0]

Hawaiʻi mamo as an example of a lost species

Hawaiʻi mamo is one of the most well-known honeycreeper species that disappeared due to hunting and habitat destruction. These birds fed on the nectar of native trees such as ʻōhiʻa lehua (Metrosideros polymorpha), which played a crucial role in the Hawaiian ecosystem. Their bright yellow feathers were used in the creation of traditional royal cloaks (ʻahuʻula) and helmets (mahiole) worn by Hawaiian chiefs and kings during ceremonies and warfare. These cloaks were crafted from thousands of individual feathers and hundreds of individual birds such as ʻōʻō (Moho) and mamo (Drepanis), symbolizing power and divine protection. The arrival of Europeans played a decisive role in the extinction of this species.

The study of museum specimens helps in the conservation of remaining species. For example, analyzing beak structure and dietary preferences helps in designing habitat restoration programs. Museum collection data are used in conservation initiatives such as the Kauaʻi Forest Bird Recovery Project and the Hawaiian Forest Bird Recovery Project, which focus on restoring local ecosystems, controlling invasive species, and protecting vulnerable bird populations.

A vibrant ʻIʻiwi (Drepanis coccinea) perched on a branch. This species, once widespread across the Hawaiian Islands, is now facing habitat loss and the threat of avian malaria but remains one of the most recognizable honeycreepers. [Image credit: Cricket Raspet / CC BY 4.0]

Scientists use museum specimens to analyze the genetic diversity of historical and modern populations, allowing them to identify species at the highest risk of extinction and develop conservation strategies. DNA analysis of extinct honeycreepers provides insights into how their gene pools differed from surviving species, helping assess the genetic resilience of remaining populations.

Additionally, data on extinct species are used to model ecological changes. Studies show that the disappearance of one species can trigger cascading effects on the ecosystem, making museum-based models crucial for predicting potential threats and adapting conservation measures. Such knowledge is important not only for Hawaii but also for preserving other island ecosystems. For example, in the Galápagos, active programs are working to restore endemic species affected by invasive animals, while in Madagascar, conservation efforts are intensifying to protect unique forest ecosystems. Human impact on these regions has led to significant biodiversity loss, and research based on museum data helps develop more effective conservation strategies.

How museum research helps in the real world

Many conservation projects rely on museum research. Historical data help scientists understand how species’ ranges have shifted over time and how they responded to environmental changes. These insights allow researchers to model how remaining populations will react to modern ecological challenges.

Recent studies suggest that some extinct species, such as the Poʻo-uli (Melamprosops phaeosoma), might have had a chance of survival if more aggressive conservation measures had been taken earlier. These lessons from the past help avoid similar mistakes in the future.

In addition to field research, museums facilitate international collaboration. Through digitization, researchers from different countries can study digital specimens and share data. This is especially crucial for species whose populations are critically endangered.

A Poʻouli (Melamprosops phaeosoma) being handled by researchers during conservation efforts. This extinct Hawaiian honeycreeper was discovered in 1973 and rapidly declined due to habitat loss, disease, and the fragmentation of its small population. The last confirmed sighting of a Poʻouli was in 2004. [Image credit: Paul E. Baker / U.S. Fish and Wildlife Service]

Conclusion

Museum collections play a crucial role in preserving biological heritage. Studying specimens like Hawaiʻi mamo allows us not only to explore the past but also to develop tools for protecting biodiversity in the future. Research based on these data helps determine the necessary steps for conserving vulnerable species and ecosystems.

Biodiversity conservation is not just about protecting individual species but about restoring ecosystems and preventing the repetition of past mistakes. Museum specimens give scientists the ability to understand the factors that led to species’ extinction and use this knowledge to develop effective conservation strategies.

Today, digitization of collections, international collaboration, and genetic research allow us to extract invaluable information even from long-extinct organisms. These data help not only analyze the past but also design programs for conserving surviving species, such as habitat restoration, invasive species control, and disease management.

Now, sitting in the quiet basement of the museum, I realize that these birds are not truly gone —their history lives on in science, in conservation initiatives, and in our ongoing efforts to prevent further losses.


[Image credit: private]

Grigory Evtukh is currently pursuing his PhD at the Leibniz Institute for the Analysis of Biodiversity Change (LIB) in Germany.


Title picture: A vibrant ʻIʻiwi (Drepanis coccinea) perched on a branch. This species, once widespread across the Hawaiian Islands, is now facing habitat loss and the threat of avian malaria but remains one of the most recognizable honeycreepers. [Image credit: Cricket Raspet / CC BY 4.0]

Übersetzung des Anthropozäns: Artenvielfalt in einer Wanderausstellung für Jugendliche

Nadine Leichter stellt in ihrem Beitrag über die Wanderausstellung „Planet A* – Die Ausstellung für *Artenvielfalt“ ein Beispiel vor, wie Jugendlichen der Wert der Biodiversität nahegebracht werden kann.

Der Mensch ist Haupttreiber des globalen Massenaussterbens der Arten – und kann dieses somit auch stoppen. Deshalb ist es essentiell, Interessierten Lösungswege aufzuzeigen und sie zum Handeln zu motivieren. „Planet A* – Die Ausstellung für *Artenvielfalt“ der FEdA zeigt, wie das möglich ist.

Humans are the main drivers of the global mass extinction of species and thus have the power to stop it, too. It is therefore essential to point out possible solutions and to motivate people to take action. FEdA’s exhibition “Planet A* – *Actions for Biodiversity” shows how this can be done.


„WOW!“, „DIVERSITY!“, „CHANGE!“, „YOU!“, „UNITED!”, “NOW!”

Wie Demo-Plakate prangen die kurzen Beschreibungen über den Themenstationen von „Planet A* – Die Ausstellung für *Artenvielfalt“. Prägnant, informativ und interaktiv spricht die Ausstellung vor allem Jugendliche direkt an. Hier soll zum einen Wissen über die Artenvielfalt und die Ökosystemleistungen vermittelt und deren Veränderungen, Ursachen und Folgen dargestellt werden, zum anderen will die Ausstellung zur tieferen Wertschätzung von Natur beitragen und konkrete Handlungsoptionen, die Artenvielfalt zu bewahren, aufzeigen. Nach dem Besuch sollen sich die Angesprochenen aber keinesfalls hilflos oder nur als Teil des Problems fühlen. Stattdessen bietet „Planet A*“ Besuchenden Lösungsansätze an, die sie selbst aufgreifen können, und motiviert sie zum Handeln.

Blick in die Ausstellung während der Eröffnungsveranstaltung im Senckenberg Museum für Naturkunde Frankfurt. Credit: Sven Tränkner/Senckenberg.

Damit die Ausstellung die jugendliche Zielgruppe inhaltlich und grafisch im richtigen Stil anspricht, hat die Forschungsinitiative zum Erhalt der Artenvielfalt (FEdA) den Jugendbeirat der Senckenberg Gesellschaft für Naturforschung in den Entstehungsprozess einbezogen und Interviews mit Schülerinnen und Schülern verschiedener Altersstufen und Schulformen geführt, die auch Teil der Ausstellung geworden sind. Die sechs interaktiven Themenstationen laden zum gemeinsamen Entdecken ein und fordern Besuchende gezielt auf, ihre Meinungen und Einstellungen in die Ausstellung und damit auch in die öffentliche Wahrnehmung einzubringen.

Jede dieser Ausstellungsinseln stellt einen in sich abgeschlossenen Themenkomplex in den Blickpunkt, eine vorgegebene Reihenfolge gibt es nicht.  „WOW!“ informiert über die Vielfalt der Arten, die Leistungen der Natur – und ihrer Inwertsetzung. „DIVERSITY!“ stellt die Treiber des Verlusts und die Erforschung von Biodiversität in den Mittelpunkt. „CHANGE!“ zeigt die Veränderungen auf, die für eine umweltverträgliche Landwirtschaft sowie resiliente Wälder und Städte notwendig wären.  „YOU!“ stellt den eigenen Konsum und Ernährung auf den Prüfstand – und zeigt den Einfluss auf, den wir alle durch unsere kleinen und großen alltäglichen Entscheidungen haben.  „UNITED!“ blickt auf die Politik, auf Finanzierungsquellen, nationale wie internationale Abkommen und stellt die vom Bundesministerium für Bildung und Forschung geförderte FEdA vor. Beim Kugellabyrinth „NOW!“ geht es darum, die Zukunft spielerisch nachhaltig und artenreich zu gestalten: Spielende bewegen an einem großen Tisch eine Kugel durch das Labyrinth der politischen, wirtschaftlichen, wissenschaftlichen und gesellschaftlichen Einflussmöglichkeiten auf den Erhalt der Artenvielfalt. Die Botschaft: arbeiten wir zusammen, können wir die Zukunft biodiversitätsfreundlich gestalten.  

Blick von oben in die Ausstellung. Credit: Sven Tränkner/Senckenberg.

Überall werden Besuchende eingeladen zu klappen, zu drehen, zu schieben, um Inhalte zu entdecken – aber auch aufgefordert, ihre eigenen Ansichten Teil der Ausstellung werden zu lassen. An Zettelwänden oder in Abstimmungsbriefkästen hinterlassen sie ihre Ansichten und Meinungen, aber auch ihre Empfindungen während des Ausstellungsbesuchs. Eine Bildergalerie wächst mit jedem Beitrag und zeigt, wie vielfältig, beeindruckend und erhaltenswert die Artenvielfalt ist – und von den einreichenden Besuchenden wahrgenommen wurde. Die Dokumentation fördert ihrerseits die Wertschätzung der gezeigten Vielfalt – und trägt so dazu bei, dass diese bewusster bewahrt wird.

Die Auswirkungen des Anthropozäns auf die Biodiversität wird an vielen Stellen in Planet A* verdeutlicht.  So ist der Wald eine gewachsene Konsequenz aus den Entscheidungen der Vergangenheit. Nach dem Krieg pflanzten Forstwirt*innen vor allem schnell wachsende Baumarten, um den immensen Ressourcenbedarf für den Wiederaufbau und das sogenannte Wirtschaftswunder zu decken. Heute sehen wir die Auswirkungen der so beförderten diversitätsarmen Waldstruktur: sie ist anfällig gegenüber Schädlingen und Klimaveränderung und bietet weniger Tier-, Pflanzen- und Pilzarten eine Heimat. Unsere Lebensweise hat sich von der Natur entfernt – Stadtgrün ist Steingärten gewichen, heimische Pflanzen in Gärten den Exoten. Wir verzehren oft hochverarbeitete Lebensmittel anstelle von saisonalen und regionalen Produkten. Mit unserer Lebensweise hat sich auch unsere Wertschätzung für die Natur verändert. Planet A* zeigt deshalb nicht nur die Auswirkungen des Anthropozäns auf die Biodiversität und nachhaltigere, artenfreundlichere Handlungsalternativen. Die Ausstellung will die Neugierde auf und die Wertschätzung für die Natur wieder stärken – ebenso wie das Selbstverständnis ihrer Besuchenden: Veränderungen sind auf vielen Ebenen nötig, aber jede*r kann beruflich oder privat einen Beitrag zum Erhalt der Artenvielfalt leisten und so zum Teil der Lösung zu werden, statt das Problem weiter zu verstärken.

Blick in die Ausstellung. Credit: Sven Tränkner/Senckenberg.

FEdA umfasst über 40 Forschungsvorhaben, welche die biologische Vielfalt mit innovativen Methoden erfassen; die Ursachen, Entwicklungen und Folgen des Biodiversitätsverlusts verstehen und konkrete Maßnahmen gemeinsam mit Akteuren aus Politik, Wirtschaft und Gesellschaft erarbeiten. Der Initiative ist es wichtig, die verschiedenen Handlungsmöglichkeiten in der Öffentlichkeit zu diskutieren und zu verankern. Einer der Wege hierzu führt über „Planet A* – Die Ausstellung für Artenvielfalt“.

Planet A* ist noch bis zum 30. April 2025 im Museum Koenig Bonn zu sehen. Danach zieht die Ausstellung weiter in den Zoo Heidelberg. Aktuelle Stationen und weitere Informationen auf der Ausstellungswebseite.


Nadine Leichter ist PR-Referentin der Forschungsinitiative zum Erhalt der Artenvielfalt (FEdA).


Interview mit Dr. Julian Taffner, Leiter der Zentralen Koordination FEdA, über Planet A*


Titelbild: Blick in die Wanderausstellung im Museum Koenig Bonn, FEdA.

Image Controversies – Die Wiederkehr der Bilderstürme in der Gegenwart

Christiane Kruse, Birgit Mersmann und Arnold Bartetzky über Denkmalstürze, Bilderstürme und den Streitwert der Vergangenheit.

Birgit Mersmann, Christiane Kruse und Arnold Bartetzky im Interview über ihren kürzlich erschienenen Band Image Controversies. Contemporary Iconoclasm in Art, Media, and Cultural Heritage.


Birgit Mersmann, Christiane Kruse and Arnold Bartetzky in an interview about their recently published volume Image Controversies. Contemporary Iconoclasm in Art, Media, and Cultural Heritage.


Sie haben vor kurzem das Buch „Image Controversies. Contemporary Iconoclasm in Art, Media, and Cultural Heritage“ zusammen herausgegeben. Was war der Anlass dafür und wie ist die Idee dazu entstanden?

Birgit Mersmann: Am Anfang stand die Beobachtung einer – unerwarteten – Wiederkehr von Bilderstürmen in der Gegenwart. Das Fach Kunstgeschichte hatte sich vor allem mit historischen sowie kunstreflexiven Formen des Ikonoklasmus beschäftigt – erinnert sei etwa an Martin Warnkes Buch Bildersturm. Die Zerstörung des Kunstwerks (1988) und Dario Gambonis Studie Zerstörte Kunst. Bildersturm und Vandalismus im 20. Jahrhundert (1998). Nach 1989 geriet zwar der postkommunistische Denkmalsturz ins Blickfeld der Denkmalpflege in Deutschland. Die Forschung zu zeitgenössischen Ikonoklasmen in einer breiteren Perspektive nahm aber sichtbar erst von 2021 an Fahrt auf, als David Freedbergs Band Iconoclasm in erweiterter Fassung wiederaufgelegt wurde.

Konkreter Auslöser, das Thema des Ikonoklasmus kunst-, bild-, kultur- und geschichtswissenschaftlich aufzuarbeiten, waren die Denkmalstürze in Südafrika und den USA, die sich seit 2015 gegen Kolonialismus, Rassismus und Rechtsextremismus richteten. Statuen von Konföderierten-Generälen, Unterstützern und Profiteuren des Sklavenhandels (wie etwa Cecile Rhodes) sowie Kolumbusfiguren wurden von ihren Sockeln gestürzt. Das machte uns nachdenklich und mündete 2020 in die Organisation eines Workshops zu Reemerging Iconoclasms am Kulturwissenschaftlichen Institut (KWI) in Essen, der das Thema gegenwartsbezogen, interdisziplinär und aus einer globalen Perspektive verhandeln sollte. Die Konferenz gab den Impuls für die hier diskutierte Bucherscheinung.

Spuren des Protests gegen Rassismus: Graffito am Vance Memorial in Ashville, North Carolina, 2022 © aus besprochenem Band.

Christiane Kruse: Mein Zugang zum Thema ergab sich aus dem Interesse für ‚starke‘ Bilder, die in der traditionellen Kunstwissenschaft vor allem in der Hochkunst westlicher Provenienz gesehen wurden. W.J.T. Mitchell hat mit seiner Studie What do pictures want? (2005) bereits auf das starke Begehren von Bildern aufmerksam gemacht und die Tatsache, dass Bilder ihre Betrachter provozieren können. Genau dieser Ansatz hat mich dazu bewegt, in einem mit Birgit Meyer herausgegebenen Band (Taking Offense. Religion, Art, and Visual Culture in Plural Configurations, 2018) darüber nachzudenken, welche Rolle die westliche Kunstgeschichte in Kontroversen über Bilder spielt, die nicht im Kunstkontext entstanden sind. Gezeigt werden konnte auch in dem hier vorgestellten Band, dass Bilder in komplizierte, kulturhistorische Kontexte verwickelt sein können, die zu Anstoß bis hin zu ihrer Zerstörung führen.

Arnold Bartetzky: Ich habe mich in verschiedenen Zusammenhängen mit dem Umgang mit Denkmälern des Kommunismus beschäftigt, zuletzt auch im Kontext der Entwicklung des Leibniz-Forschungsverbunds „Wert der Vergangenheit“. Mich interessierte seit längerer Zeit auch die globale Dimension des Themas Denkmalsturz. Die neue Welle von Angriffen auf Denkmäler nach der Ermordung von George Floyd im Jahr 2020 war für mich ein Anstoß, dem Thema intensiver und systematischer nachzugehen. Der von Birgit Mersmann und Christiane Kruse organisierte Workshop bot eine willkommene Gelegenheit dazu.

Die Verwandlung eines Heldendenkmals der Südstaaten in ein Mahnmal der Black-Lives-Matter-Bewegung: Das Denkmal für Robert Lee in Richmond, Virginia, nach der Ermordung von George Floyd, Foto 2020. © aus besprochenem Band.

Sie selbst haben auch jeweils einen Beitrag zu dem Buch beigesteuert. Was waren Ihre Themen?

Arnold Bartetzky: Ich widme mich in einer Ost und West verbindenden Perspektive den Auseinandersetzungen um missliebige Kunstwerke in Museen und den Angriffen auf Denkmäler in jüngster Zeit, wobei ich Beispiele aus den USA und aus verschiedenen Teilen Europas heranziehe. Dabei zeigen sich unter anderem frappante Parallelen in den Reaktionsmustern gegenüber Kunstwerken und Geschichtszeugnissen, die nicht den aktuellen Weltanschauungen entsprechen. Sie werden im Umgang mit als moralisch anstößig empfundenen Bildern in Museen ebenso deutlich wie in den Kampagnen zur Dekommunisierung und Dekolonialisierung des öffentlichen Raums.

Im Fokus des antikolonialistischen Aktivismus: Bismarck-Denkmal in Hamburg-Altona, Foto 2020 © aus besprochenem Band.

Christiane Kruse: In meinem Beitrag geht es um die Kritik an einer im Stadtraum vor dem Wohnhaus des Künstlers Hasemann nicht gerade exponiert aufgestellten N***statue, die seitens der Anwohner ursprünglich als Hommage an den Künstler gedacht war und lange Zeit niemanden störte. Im Zuge der von der offenen Stadtgesellschaft betriebenen Dekolonialisierung des Stadtraums, hier Berlin, missfiel dieses Bildwerk und wurde zum Politikum. Es sollte entfernt werden und geriet dabei zum Diskursobjekt widerstreitender politischer Meinungen über Kolonialismus, Kunst im Nationalsozialismus, Rassismus, Migration, Rechtsextremismus.

Birgit Mersmann: Mit meinem bildkulturwissenschaftlichen Beitrag zu virtuellen und physischen Rekonstruktionsvorschlägen zum zerstörten Kulturerbe von Bamyian suche ich das Konzept des Postikonoklasmus zu beleben, das innerhalb der Ikonoklasmusforschung bisher nur marginal Verwendung fand. Postikonoklasmus bezieht sich auf die Phase nach dem ikonoklastischen Zerstörungsakt; im Fokus steht der Umgang mit dem zerstörten Bildwerk bzw. Monument, der sich selbst wiederum zu einem Bilderstreit entzünden kann. Bereits 2021 habe ich mich in einem Aufsatz mit dem Titel Islamistischer oder okzidentalistischer Ikonoklasmus? mit der Zerstörung der Buddha-Statuen von Bamyian befasst, die inzwischen als Auftakt eines zeitgenössischen performativen Ikonoklasmus im Bereich des globalen Kulturerbes im 21. Jahrhundert gilt. Mein aktueller Beitrag in unserem Band Image Controversies wirft die Frage auf, inwieweit digital entworfene Rekonstruktionsvorschläge als ikonoklastische Praxis gegenüber dem zerstörten Original verstanden werden können. Anhand der Analyse unterschiedlicher Revitalisierungsvorschläge führe ich vor, wie der Wert der Vergangenheit, hier des Weltkulturerbes von Bamyian, und seine Bedeutung für die Gegenwart in digitalen substitutiven Bildakten neu ausgehandelt werden, die selbst wiederum eine mediale Kontroverse um wahre und falsche Bilder sowie bildliche Verlebendigung auslösen.

Zerstörung von Kulturerbe als Mission: Propagandavideo des Islamischen Staats, 2017 © aus besprochenem Band.

Die Buchbeiträge beziehen sich damit auf recht aktuelle Beispiele von Ikonoklasmus, gesellschaftlichem Streit über Bilder und Denkmalstürzen. Würden Sie sagen, dass wir in einer neuen Zeit der Infragestellung von Denkmälern, aber auch von politisch unliebsamen Bildern in den Künsten und Medien leben? Oder ist das nichts Neues?

Christiane Kruse: Das Thema Denkmalsturz ist so alt wie die Denkmalkunst selbst und daher nichts Neues. Neu und aktuell ist aber, dass sich Denkmalsturz in pluralen Gesellschaften ereignet und Denkmäler bzw. öffentlich oder museal aufgestellte Bilder zu Brennpunkten beispielsweise von Kolonial- und Migrationsgeschichte werden können. Auch in Museen wurden Bilder aus politischen Gründen immer wieder abgehängt und konnten bei Veränderung der politischen Situation auch wieder aufgehängt werden. Museen, die sich der Pflege und Ausstellung von globalen Kulturen widmen, ziehen im Zuge von Debatten über Kolonialismus und Migrationsgesellschaften sowie Tourismusströmen immer mehr Besucher*innen an. So arbeiten etwa im Amsterdamer Wereldmuseum (ehemals Tropenmuseum), wie Pooyan Tamimi Arab in seinem Beitrag in unserem Band berichtet, Kurator*innen sehr genau daran, wie bzw. ob überhaupt Bilder, die potenziell Kontroversen seitens der Besucher*innen auslösen können, ausgestellt werden sollten. Und dann kann es passieren, dass sich die Kurator*innen selbst nicht einig sind, wie etwa mit einem Bild von Mohamed zu verfahren sei: Kann man es zeigen oder läuft man Gefahr, dass gar ein Anschlag auf das Bild als Stellvertreter einer bestimmten islamischen Glaubensrichtung vorgenommen wird?

Können Denkmalstürze gesellschaftlich gerechtfertigt sein? Und wann ist das nicht der Fall? Haben Denkmäler im öffentlichen Raum auf der Straße eine andere Wirkung, als wenn wir ihnen in Museen begegnen? (Meist werden die Statuen ja nur aus dem öffentlichen Raum entfernt.)

Arnold Bartetzky: Als ein in Deutschland sozialisierter Kunsthistoriker mit besonderer Nähe zur Denkmalpflege finde ich es fast immer bedauerlich, wenn Denkmäler aus dem öffentlichen Raum verschwinden. Zudem bin ich der Meinung, dass wir gerade die unbequemen, heute Anstoß erregenden Denkmäler brauchen, die an die historischen Brüche, einstigen Selbstgewissheiten, Verirrungen und häufig auch Verbrechen der Vergangenheit erinnern – und zwar im öffentlichen Raum und nicht nur im Museum, wohin nur ein relativ kleiner Teil der Bevölkerung den Weg findet. Wenn ein Denkmal aus heutiger Sicht politisch oder ethisch inakzeptabel ist, kann es mit einer kommentierenden Inschrift kontextualisiert werden. Eine produktive Möglichkeit der Auseinandersetzung bieten auch Gegendenkmäler, wofür es in Deutschland einige gute Beispiele gibt. Ich sehe aber auch, dass der Wert des Denkmalerbes nicht immer der wichtigste Gesichtspunkt sein muss. Es gibt auch besondere Situationen, in denen der Denkmalsturz politisch geboten oder zumindest psychologisch verständlich sein kann. So glaube ich zum Beispiel, dass es uns heute nicht ansteht, die von Russlands Angriffskrieg terrorisierten Menschen in der Ukraine zu belehren, wenn sie Denkmäler der Sowjetherrschaft und des russischen Hegemonialanspruchs beseitigen.

Entsowjetisierung des öffentlichen Raums in der Ukraine: Sturz einer Lenin-Statue in Chmelnyzkyj, Foto 2014 © aus besprochenem Band.

Was unterscheidet Bilderstürme von unten und von oben?

Arnold Bartetzky: Tatsächlich sind Bilderstürme von unten eher eine Seltenheit. Und das ist bei genauerer Betrachtung keine Überraschung, denn für die Beseitigung von Bildwerken aus dem öffentlichen Raum braucht man meist einen gewissen Organisierungsgrad und damit auch zumindest Teilhabe an politischer Macht. In der Geschichte handelt es sich bei den meisten Denkmalbeseitigungen um organisierte Aktionen mit Zustimmung oder zumindest Duldung der aktuellen Machthaber, in vielen Fällen waren es auch Verwaltungsakte. Die Vorstellung von geknechteten Volksmassen oder diskriminierten gesellschaftlichen Gruppen, die sich durch Denkmalsturz im Kampf gegen eine ohnmächtig gewordene Obrigkeit selbst ermächtigen, trifft in den meisten Fällen nicht zu.

Künstlerische Auseinandersetzung mit Denkmalsturz: “Once in the XX Century”, Video von Deimantas Narkevičius, 2004 © aus besprochenem Band.

Lässt sich aus Ihren und den anderen Beiträgen eine gemeinsame Aussage, eine Art Fazit, ziehen? Oder sind die Themen zu divers und stehen eher für sich?

Christiane Kruse: Es war die Absicht der Herausgeber*innen, in dem Band das Themenfeld möglichst breit zu öffnen, um eben zu zeigen, dass jeder ikonoklastische Akt heute einer gewissenhaften Kontextualisierung bedarf, die oft tief in die Geschichte nicht nur des gestürzten Denkmals, sondern darüber hinaus auch in die Geschichte der Kulturen im Umgang mit Bildern hineinreicht. Das gemeinsame Fazit lautet daher, dass der bildkulturwissenschaftliche Zugriff auf das Thema transdisziplinär angelegt sein muss und Expert*nnen aus verschiedenen Disziplinen zusammenbringen muss, um eine globalisierte Bildkultur im 21. Jahrhundert verstehen zu lernen.

Unser Forschungsverbund beschäftigt sich mit dem Wert der Vergangenheit. Hat sich Ihre Perspektive auf den Wert der Vergangenheit durch dieses Projekt verändert?

Birgit Mersmann: Als Forscherin und Gegenwartsanalystin mit Schwerpunkt zeitgenössische Kunst und digitale Bildkulturen hat mir das Buchprojekt verdeutlicht, wie wesentlich eine kritische Auseinandersetzung mit unterschiedlichen Wertigkeiten der Vergangenheit, insbesondere konfligierenden historischen Deutungsansprüchen ist, um die aktuellen, medial gesteuerten Bilddebatten und -dispute besser zu verstehen, die von friedlichem Aktivismus bis zur zerstörerischen Gewaltanwendung gehen können. Image Controversies hat mir hat gezeigt, dass die historische Macht der Bilder als geschichtetes politisches, religiöses und kulturelles Erbe bis in die Gegenwart hineinragt, um dort dekonstruiert und reimaginiert zu werden.

Wollen Sie mit Ihrer Publikation in diese öffentlichen Kontroversen eingreifen? Und wenn ja, mit welcher Intention?

Christiane Kruse: Der Band steht im Dienst der Aufklärung von Kontroversen sowie des Verstehens sich verändernder Bildkulturen steht. Wir wollen mit ihm dazu beitragen, eine globale Bildkulturwissenschaft zu etablieren. Es geht dabei um neue Forschungsfragen und methodische Herangehensweisen, die eine Reihe verschiedener Expertisen verlangt, um der Komplexität der Image Controversies gerecht zu werden.  

Arnold Bartetzky: Der Band versammelt Beiträge von dreizehn Autorinnen und Autoren. Sie repräsentieren ein breites Spektrum von Themen, Fragestellungen, disziplinären und methodischen Zugängen. Es sind wissenschaftliche Beiträge, in denen allerdings zum Teil auch Haltungen zu aktuellen Auseinandersetzungen um Bilder erkennbar sind. Es wäre übergriffig von uns, wollten wir die Ergebnisse des Bandes an dieser Stelle auf eine aktivistische Formel bringen. Ich glaube aber, dass wir für alle Autorinnen und Autoren sprechen, wenn wir sagen, dass Bilder, auch wenn sie uns selbst heute missfallen, Teil des Kulturerbes sind, das einen verantwortungsvollen Umgang verlangt und vor Vernichtung zu bewahren ist.

Birgit Mersmann:  Ein direkter Eingriff in die öffentlichen Kontroversen würde voraussetzen, dass sich die versammelten Autor*innen in diesem Band als wissenschaftliche Aktivist*innen verstehen. Eine solche Verbindung aus Wissenschaft und Aktivismus ist nicht die Intention gewesen. Vorrangiges Ziel der Publikation ist es, neues bildkulturwissenschaftliches Wissen über Bildkontroversen in unterschiedlichen Streitkontexten und Konfliktbereichen zu generieren und die bisherigen Forschungen zu Ikonoklasmen in einen gegenwartsbezogenen, globalen wie interdisziplinären Debattenrahmen zu stellen.


Image Controversies. Contemporary Iconoclasm in Art, Media, and Cultural Heritage.
Herausgegeben von: Birgit Mersmann, Christiane Kruse und Arnold Bartetzky. Berlin/Boston: De Gruyter 2024 [open access], https://doi.org/10.1515/9783110773576


Das Interview führte Mascha Neumann, Projektassistentin im Leibniz-Forschungsverbund “Wert der Vergangenheit” am Leibniz-Zentrum für Zeithistorische Forschung Potsdam.

Prof. Dr. Birgit Mersmann ist Professorin für Zeitgenössische Kunst und digitale Bildkulturen am Kunsthistorischen Institut der Universität Bonn.

Prof. Dr. Christiane Kruse ist Professorin für Kunstgeschichte und visuelle Kulturen sowie geschäftsführende Direktorin am Institut für Kunst-, Design- und Medienwissenschaften der Muthesius Kunsthochschule Kiel.

Prof. Dr. Arnold Bartetzky ist Leiter der Abteilung “Kultur und Imagination” am Leibniz-Institut für Geschichte und Kultur des östlichen Europa (GWZO) in Leipzig. Er ist zudem Sprecher des Lab 3.1 “Streitwert der Vergangenheit” des Leibniz-Forschunsverbunds “Wert der Vergangheit”.


Titelbild: Nach langer Diskussion: Der wirkungsvoll in Szene gesetzte Sturz der Edward-Colston-Statue in Bristol, Foto 2020. © aus besprochenem Band.

Maritimes Kulturerbe als Knowledge Hub: Die sogenannte Bremer Kogge

In diesem Beitrag gehen Sebastian Vehlken und Alexander Reis auf neue Methoden und aktuelle Forschung im Bereich der Schifffahrt ein und zeigen dabei eine Reihe unerwarteter, interdisziplinärer Erkenntnismöglichkeiten auf.

Schifffahrt, Handel oder Umweltbedingungen des Spätmittelalters sind nur einige Bereiche zu welchen der Fund der Bremer Kogge in der Weser Auskunft gibt. Dabei steht die Untersuchung der Kogge exemplarisch für die Anwendung innovativer digitaler Medientechnologien.

Shipping, trade or the environmental conditions of the late Middle Ages are just some of the areas on which the discovery of the Bremen cog in the Weser provides information. The investigation of the cog is an example of the use of innovative digital media technologies.


Die Entdeckung der Bremer Kogge in der Weser vor über sechzig Jahren war nicht nur ein spektakulärer archäologischer Fund, sondern ist bis heute eines der bekanntesten Kulturerbe-Objekte im norddeutschen Raum. Das mittelalterliche Großobjekt entwickelte sich in dieser Zeit auch zu einem Nukleus für mannigfache Forschungsansätze, mit denen ganz unterschiedliche wissenschaftliche Fachdisziplinen die Entstehungs- und Bauweise, die Nutzungsformen und die symbolische Bedeutung dieses Schiffs untersuchen. Zu Beginn standen basale Probleme der Langzeitkonservierung maritimer Holzobjekte im Vordergrund, für die ab den 1960er Jahren heutzutage ganz übliche Verfahren erst entwickelt werden mussten. Und noch heute erinnern sich viele Besuchende des Deutschen Schifffahrtmuseums (DSM) in Bremerhaven an die jahrzehntelange Lagerung des enormen Holzschiffs im Konservierungsbecken mit Polyethylenglykol. Nicht zuletzt ging es auch um die Frage, wie sich ein Objekt dieser Größe adäquat museal präsentieren lässt, ohne Schaden zu nehmen.

Spätestens in den letzten beiden Jahrzehnten – und einhergehend mit einer Öffnung (maritim-) archäologischer Forschungen auch für historische und gesellschaftswissenschaftliche Ansätze – zeigte sich, dass sich noch viele weitere Objektschichten dieses massiven physischen Wissensspeichers Kogge freilegen lassen, und dass Objektgeschichten erforscht werden können, welche den Fund als materialisierten Zeitzeugen des Spätmittelalters facettenreich in Wert setzen.

Credit: Dennis Vogt Filmmaker

Eine besondere Rolle kommt dabei innovativen digitalen Methoden und damit verbundenen medientechnischen Möglichkeiten zu: Zu physischen und chemischen Konservierungstechniken gesellen sich Verfahren der präventiven Konservierung wie z. B. die digitale Dokumentation, Zustandsanalysen von Material-Mikrostrukturen und des Konservierungsmaterials, sowie die präzise Langzeitvermessung oder gar die prognostische Simulation von zu erwartenden Materialveränderungen. 3D-Modelling wird für die Rekonstruktion fehlender Objektbestandteile eingesetzt, und darauf können Computersimulationen funktionaler Kontexte und Eigenschaften aufbauen. So stach die Bremer Kogge im Rahmen eines Forschungsprojekts bereits 2015 virtuell in See: Mittels eines detaillierten Computermodells wurden dabei Fahreigenschaften, Navigationsfähigkeit oder Ladekapazitäten getestet.

Aber auch aktuell steht die Kogge exemplarisch für die Anwendung innovativer digitaler Medientechnologien und für reflektierende Fragen danach, wie digitale Methoden beständig neue Evidenzen für Kulturgut im musealen Kontext produzieren und bestehende transformieren. So startete das DSM im Jahr 2021 gemeinsam mit dem Materialforschungsinstitut MAPEX der Universität Bremen und dem Leibniz-Institut für Wissensmedien (IWM) Tübingen mit „Digital Materialities“ ein interdisziplinäres Projekt zur Digitalisierung von Objekten aus den Sammlungen. Es untersucht, wie mittels Röntgencomputertomographie erzeugte 2D- und 3D-Visualisierungen neue Wissensaspekte über ein bestimmtes Objekt generieren, und wie Betrachtende ‚animiert‘ werden können, sich dieses Wissen durch Interaktion mit einem digitalen Zwilling des Objekts anzueignen.

Einige der Beifunde der Bremer Kogge, die während des Projekts erneut untersucht wurden – beispielsweise Eichenholz oder Seilreste der Takelage – stehen beispielhaft für die zu Beginn angesprochene Vielschichtigkeit des Schiffsfunds: Eine Verortung der Herkunft der verwendeten Hölzer oder weiterer Materialen wie Tierhaar aus dem Kalfatmaterial gibt z. B. Aufschluss über historische Handelswege und Nutztierarten und verbindet kulturhistorische mit biologischen und soziologischen Fragen.

Links: CT-Querschnitt eines Spunds mit den für Nadelholz typischen deutlichen Jahrringen. Pia Götz, MAPEX Centre for Materials and Processes, Universität Bremen. Rechts: Rasterelektronenmikroskopische Aufnahme der Kutikularschuppen von Haaren des Kalfatmaterials. Margarita Gleba, Universität Padua.

Plattform zu Wissenswelten rund um Koggen und koggeähnliche Schiffe

Um diese interdisziplinären Synergien weiter zu befördern und zugleich eine aktuelle Bestandsaufnahme laufender Forschungsprojekte und methodischer Ansätze – insbesondere im Hinblick auf digitale Technologien – zu leisten, organisierten Alexander Reis und Sebastian Vehlken im Februar 2024 einen internationalen Workshop unter dem Titel „Late Medieval Sea Vessels in Northern Europe – Current Research Perspectives“. Der Workshop versammelte 30 hochkarätige Expertinnen und Experten v.a. aus den Bereichen Maritime Archäologie, Geschichtswissenschaft, Restaurierung und Holzanalytik. Die Bremer Kogge und die facettenreiche Geschichte ihrer Beforschung am DSM wurden so einmal mehr zu einem Bezugspunkt für gegenwärtige und zukünftige Forschungsprojekte. Der Workshop nahm die Zusammenführung aktueller internationaler Forschungsperspektiven auch zum Anlass, über digitale Formate nachzudenken, um das im Kontext oft bahnbrechender maritim-archäologischer Funde und Untersuchungen entstehende Wissen zukünftig viel stärker integrativ und disziplinübergreifend darzustellen. Das DSM regte dazu die Gründung einer kollaborativen digitalen Wissensplattform an, die als ein gemeinsam getragenes Informations- und Forschungsportal zum Thema „spätmittelalterliche Schiffe“ dienen soll und sich neben dem wissenschaftlichen Publikum auch der allgemeinen Öffentlichkeit zuwendet.

Auf dem Workshop wurde schnell deutlich, dass viele Vortragende diesem Ansinnen inhaltlich einen hohen Wert beimaßen: Die Forschungen materialitätsbezogener Wissenschaften wie der Archäologie und ihre Funde gewinnen überall dort an besonders hoher Verständlichkeit und Relevanz, wo sie mit kulturwissenschaftlichem Wissen verschränkt werden können – z. B. aus literaturwissenschaftlichen und historischen Forschungen zu zeitgenössischen Archivalien oder aus kunstgeschichtlichen Analysen bildlicher Darstellungen. Und andersherum profitieren die letztgenannten Wissenschaften ungemein, wenn sie sich den Möglichkeiten materialbezogener und materialwissenschaftlicher Perspektiven öffnen. Eine solche digitale Plattform bedient gleichzeitig auch einen strukturierten Austausch zwischen Forschung und Infrastruktureinrichtungen wie archivischen, musealen und bibliothekarischen Sammlungen und macht den Charakter der Forschungen verschiedener Fachdisziplinen transparent, besonders wenn dort Forschungsdaten nach FAIR-Prinzipien (Findable, Accessible, Interoperable, Reuseable)publiziert werden können, d. h. langfristig den Kriterien der Auffindbarkeit, der Zugänglichkeit, der Verknüpfbarkeit und der Wiederverwendbarkeit genügen.  

Spätmittelalterliche Seeschiffe in Nordeuropa – aktuelle Forschungsperspektiven

Das Programm und die Beiträge des Workshops erprobten konsequent interdisziplinäre Verschränkungen. Ausgehend von Schiffsfunden lenkten die Vorträge den wissenschaftlichen Blick auf eine ganze mittelalterliche Welt, wobei beispielsweise Themen wie Schiffbautechniken und dafür verwendete Bezeichnungen mit Fahrverhaltens-Simulationen der Bremer Kogge verbunden wurden. So wies Marko Richter, Leiter des Landesverbands Berlin-Brandenburg der Deutschen Gesellschaft für Schifffahrts- und Marinegeschichte, auf das Problem der Verwendung eines heutigen – aus einer modernen, Standardisierungs-gewohnten Sichtweise herrührenden – Konzepts des ‚Schiffstyps‘ auf vorindustrielle Schiffsfunde hin. Der Archäologe und Schiffsbauer Pat Tanner (Swansea University) verdeutlichte, mit welchen Methoden die Seetüchtigkeit mittelalterlicher Schiffe untersucht werden kann und was dabei zu beachten ist.

Screenshot aus einer virtuellen Rekonstruktion der Fahreigenschaften der Kogge. Pat Tanner, Universität Swansea.

Otto Uldum vom dänischen Wikingerschiffmuseum Roskilde, Philipp Grassel vom DSM, Kevin Martin von der Universität Island und Priit Lätti vom estnischen Schifffahrtsmuseum Tallin stellten anhand neu entdeckter Schiffswracks aus Dänemark, Estland und den Faröer Inseln Formen damaliger Seefahrt dar. Welche zentrale Rolle holzanatomischen Untersuchungen, besonders der Dendrochronologie in der maritimen Archäologie zukommt, machten die Beiträge von Aoife Daly (Brønshøj, Dänemark), Felix Rösch (Archäologie und Denkmalpflege Lübeck) und Daniel Balanzategui (Technische Hochschule Lübeck) zur Methodik der Beprobung von Schiffshölzern und zur Herkunftsanalyse von Hölzern sowie von Mike Belasus (Niedersächsisches Institut für Küstenforschung Wilhelmshaven) zur spätmittelalterlichen Waldnutzung im Umland von Bremen deutlich, die mit der schlechten Qualität der für den Bau der Bremer Kogge verwendeten Hölzer mit ihren zahlreichen Reparaturstellen und der damit verbundenen fragwürdigen Seetauglichkeit in Zusammenhang stehen könnten.

Die Vorträge zu zeitgenössischen Handelsnetzwerken, wie z. B. dem Handel mit Porzellan aus China, Schiffsbauplätzen und Hafenanlagen von Andi Esters (Haifa International University), Staffan von Arbin (Universität Göteborg), Damian Goodburn (London), Dieter Bischop (Landesarchäologie Bremen) und Kalle Virtanen (The Finnish Heritage Agency, Helsinki), ermöglichten Vergleiche zu Topographie, Infrastruktur und Transportgeographie: vom Schiffsbauquartier in der Nähe des Tower of London über die Grabungen am Teerhof in Bremen bis hin zu norwegischen und finnischen Seerouten.

Inwieweit Funde vollständigen Tischgeschirrs oder Tabakspfeifen aus Hafenbecken auch Rückschlüsse auf bestimmte Vorgänge an Bord zulassen, zeigte der Beitrag von Jørgen Johannessen (Norwegisches Schifffahrtsmuseum, Oslo). Der Schifffahrtshistoriker und Archäologe Renard Gluzman (National and Kapodistrian University of Athens) wagte einen historiographischen Perspektivwechsel weg von Geschichtsereignissen und hin zu Schiffsbiographien als Motoren von Geschichtsschreibung. Neue Forschungen von Irina Ruf und Volker Otte (Senckenberg-Museum Frankfurt und Görlitz), Margarita Gleba (Universität Padua), Jana Gelbrich (Leibniz-IWT Bremen), Pia Götz (MAPEX Bremen) Silke Wiedmann (DSM) und Heidi Hastedt (Jade Hochschule Oldenburg) zu hölzernen Beifunden, dem Kalfatmaterial und dem Monitoring der Bremer Kogge in der Ausstellung hoben nochmals den naturwissenschaftlichen Bedeutungszusammenhang des Schiffs hervor: Die für das Kalfatmaterial verwendeten Moosarten deuten z. B. auf Wasserflächen hin, welche nach einem Torfabbau entstehen. Untersuchungen des Archäologen Damien Sanders (Dinan, Frankreich) zu den Seilfragmenten der Takelage machten auf noch nicht gelöste Probleme der Beseglung in dieser Zeit aufmerksam.

3D-Rendering eines Seilfragments auf Basis von µCT-Messung und 2D-Querschnitt. Rot markiert: einzelne Seilstränge. Pia Götz, MAPEX Centre for Materials and Processes, Universität Bremen.

In der Folge soll es darum gehen, erste Schritte zur Umsetzung des geplanten Online-Portals zum Thema „Wissenswelten rund um Koggen und koggeähnliche Schiffe“. In vielen Diskussionen auf der Tagung wurde die besondere Relevanz von Kulturerbe-Institutionen hervorgehoben, gerade das unhintergehbare Wechselspiel zwischen ‚physikalischen‘ Objekten und den daran anknüpfenden digitalen Medialisierungsmethoden und -technologien transparent zu machen: Wo einerseits CT-Scans Einblicke in die Mikrostrukturen von Objekten gewähren, Computersimulationen ihr dynamisches Verhalten virtuell testfähig machen, und Geo-Informationsdaten ihre Wege nachzeichnen, ist es andererseits immer auch die materielle Widerständigkeit der Objekte, anhand derer digitaltechnische Methoden verankert, rekalibriert und weiterentwickelt werden. Es gilt, diese Komplementarität „physischer“ und „informatischer“ Objekte herauszustellen – ein sich wechselweise steigerndes Verhältnis, das auch neue „Werte der Vergangenheit“ hervorbringt. Daher freut sich das DSM auf die Möglichkeit, die auf der Tagung teils erneuerte und teils neu begonnene Vernetzung mit nationalen und internationalen Partnerinstitutionen weiter zu intensivieren.


Literatur

Gabriele Hoffmann/Uwe Schnall (Hrsg.), Die Kogge. Sternstunde der deutschen Schiffsarchäologie (Altenburg 2003).

Alexander Reis/Klaus Eickel/Pia Götz/Sebastian Vehlken, „Das ganze Objekt verstehen“. Magnetresonanzverfahren in der Kulturerbe-Forschung. Deutsche Schiffahrt. Informationen des Fördervereins Deutsches Schiffahrtsmuseum e. V. 1, 2024, 17–20.

Alexander Reis/Klaus Eickel/Pia Götz/Sebastian Vehlken, “Understanding the entire object”. Magnetic resonance techniques in cultural heritage research.

DOI: 10.11588/propylaeumdok.00006384


Alexander Reis ist wissenschaftlicher Mitarbeiter für digitale Dokumentation im Deutschen Schifffahrtsmuseum (DSM) in Bremerhaven, Leibniz-Institut für Maritime Geschichte.

Sebastian Vehlken ist Medientheoretiker und -historiker. Am DSM erforscht er die Rolle von digitalen Medien – insbesondere Computersimulationen  –  für die heutige Schifffahrt und maritime Forschungen.


Titelbild: Kogge in der Koggehalle des DSM. Amandine Colson, Denkmal 3D, Vechta.

Vergessen – Stillgelegte Objekte in musealen Sammlungen

In diesem Beitrag begibt sich Anna-Magdalena Heide auf die Suche nach dem Kontext einer Reihe vergessener Kinderzeichnungen im Deutschen Bergbau-Museum Bochum.

Museen leben von ihren Objekten und den Geschichten, die sich mit ihnen erzählen lassen. Am Beispiel von Kinderzeichnungen wird veranschaulicht, dass Museen ihr kulturelles Erbe stilllegen, wenn sie die Entstehungs- und Nutzungskontexte ihrer Objekte nicht überliefern.

Museums depend on objects and the stories that can be told with them. The example of children’s drawings demonstrates that museums can suppress their own cultural heritage by neglecting the contexts in which their objects were originally created and used.


Die Vorstellung, dass in Museen die Schätze der Welt verwahrt werden, hält sich hartnäckig. Was es in die Depots dieser Gedächtniseinrichtungen geschafft hat, so scheint sich dies bisweilen nach außen darzustellen, ist durch einen kritischen Bewertungsprozess gegangen und hat sich als ‚relevantes‘ und ‚bedeutsames‘ Kulturerbe behauptet. Dass die Aufnahme von Objekten in museale Sammlungen aber auch von Zufälligkeiten, pragmatischen Entscheidungen, strategischen Zwängen oder der Affinität von Sammlungsmitarbeitenden für ihre Arbeit bestimmt wird, liegt in der Regel außerhalb des Wahrnehmungshorizonts. Dies führt in der intellektuellen Auseinandersetzung mit materieller Kultur schnell dazu, dass Objekten fast zwanghaft irgendetwas ‚Besonderes‘, ‚Interessantes‘ oder wenigstens ein diffuses ‚Bedeutungspotential‘ abgerungen wird.

Kohlezeichnung eines Bochumer Kindes, montan.dok 030002040007

Ganz Wichtiges, weniger Wichtiges und Unwichtiges in musealen Sammlungen

Am Beispiel von zwei Konvoluten an Kinderzeichnungen im Deutschen Bergbau-Museum Bochum (DBM) lässt sich aufzeigen, dass die Realität im Arbeitsalltag musealer Sammlungen auch eine andere sein kann. Natürlich gibt es in jeder Sammlung die Publikumsrenner, die gerne für Ausstellungen genutzt werden, weil sie die größten, schönsten, seltensten, berühmtesten ihrer Art sind oder irgendeinen anderen Superlativ für sich verbuchen können, der ihnen ihre Berechtigung in den musealen Sammlungen sichert. Es gibt auch Objekte, die solchen Legitimationslogiken nicht folgen, aber anlassbezogen Interesse auf sich ziehen. Und dann gibt es einen nicht unerheblichen Teil an Objekten, mit denen man überhaupt nichts anzufangen weiß, weil sie von irgendwem, irgendwann, von irgendwoher mitgebracht, dann aber sang- und klanglos in einem Schrank oder einer Schublade versenkt worden sind.

Ein solches Beispiel sind 22 Kindermalereien bzw. -zeichnungen, die nicht so recht in das Sammlungsprofil des Deutschen Bergbau-Museums Bochum passen wollen, sich aber seit sieben Jahrzehnten physisch im Haus befinden. Seit drei Jahrzehnten sind sie offiziell Teil der Musealen Sammlungen des Montanhistorischen Dokumentationszentrums (montan.dok) im DBM. Ihre Existenz ist im Laufe der Jahre aber augenscheinlich mehrfach in Vergessenheit geraten.

Aquarellmalerei eines Kindes, montan.dok 030002040009

Zufallsfunde in den Sammlungen

Aufgetaucht waren diese Werke aus Kinderhand bei Erschließungsarbeiten im Rahmen des noch laufenden Projekts „Digitale Infrastrukturen im Deutschen Bergbau-Museum Bochum und virtuelle Zugänglichkeit zum Bergbauerbe“ im montan.dok des DBM, in dem Zeichnungen, Druckgrafiken und Malereien aus den Musealen Sammlungen des Hauses standardisiert dokumentiert und digitalisiert werden. Eine vergleichsweise hohe Beachtung – gemessen an der für sie verwandten Zeit bei der Dokumentation – erhielten die Objekte in erster Linie deshalb, weil aufgrund fehlender Informationen keine normierte Erfassung erfolgen konnte.

Über die Objekte selbst und die Sammlungsdokumentation war zunächst festzustellen, dass die Malereien und Zeichnungen in den frühen 1990er-Jahren Sammlungsmitarbeitenden in die Hände gefallen waren. Das erste Konvolut mit neun Werken ist 1990 als Schenkung des Fördervereins des Bochumer Bergbau-Museums aufgenommen worden, das zweite, mit 13 Einzelblättern, ist drei Jahre später aus Objekten des „nicht inventarisierten Altbestands“ gebildet worden. Außerdem ist den analogen Dokumentationsmedien zu entnehmen, dass es sich um Werke von zehn- bis vierzehnjährigen Gymnasiast:innen aus dem Ruhrgebiet und Münster handelt, die – irgendwann – in den 1950er-Jahren in Ausstellungen des Fördervereins zu sehen waren. Erst durch Zeitungs- und Zeitschriftenbeiträge, Fotografien, Vortragsmanuskripte und Korrespondenzen ließen sich die anfänglich völlig anonymen Objekte erfolgreich in ihre Entstehungskontexte einordnen. Dass es sich hierbei keineswegs um die freie künstlerische Auseinandersetzung mit dem Thema „Bergbau“ handelt, offenbart ein Vortragsskript des stellvertretenden Museumsdirektors aus dem Jahr 1955:

„Wir haben gelegentlich in einer höheren Schule außerhalb des Reviers im Zeichenunterricht die Aufgabe stellen lassen, in einer Zeichnung wiederzugeben, was sich die Kinder – es handelte sich dabei um Mädchen der Mittelschule eines Lyzeums – unter einer Zeche vorstellen. Das Ergebnis war erschütternd. Ein erschreckend großer Teil […] zeichnete ein großes Tor und dahinter eine Menge hoher Gebäude. Über einen Platz oder hinter dem Tor liefen Menschen, die Verunglückte auf Bahren trugen oder fuhren Krankenwagen usw. Wenn bei dieser am häufigsten wiederkehrenden Darstellung viele der Mädchen auch durch ihre Nachbarn beeinflußt waren, läßt sich doch die Tatsache nicht von der Hand weisen, daß viele dieser Kinder den Bergbau ohne weiteres sofort mit einem Unglück verbinden. Zweifellos ist das nicht nur bei Kindern der Fall. Diese Auffassung hat dem Bergbau in den letzten Jahrzehnten ungeheuer geschadet und schadet ihm heute noch. […] Hier aufklärend einzugreifen, ist eine der wichtigsten Aufgaben des Bergbau-Museums.“[1]

Legte die lückenhafte Objektdokumentation zunächst nahe, dass es sich hier um einigermaßen belanglose Versuche von Schüler:innen handelte, Vorstellungen vom Bergbau auf das Papier zu bringen, stellte die Kontextualisierung des Materials die Kinderzeichnungen hingegen in den Zusammenhang von PR-Analyse, Wahrnehmungskontrolle und Nachwuchswerbung der um Arbeitskräfte ringenden Bergbaubranche in den 1950er-Jahren.

Tuschestiftzeichnung einer Vierzehnjährigen aus Münster, montan.dok 030002040003

Objekte als “Quellen zweiter Klasse”

Paradoxerweise führte die Anreicherung der Objektinformationen mit den archivischen Quellen immer weiter von den eigentlichen Objekten weg. So habe ich zwar meinen Blogbeitrag mit Beispielen aus den Konvoluten illustrativ bebildert. Gegenstand meiner Analyse sind aber nicht die Motive. Denn der Umfang des Materials erlaubt keinen bilddiskursanalytischen Zugriff. Für einen kulturwissenschaftlichen Ansatz, der sich im Wesentlichen für die Wechselbeziehung zwischen Ding und Mensch interessiert, fehlt wiederum die Perspektive der Urheber:innen. Letztlich dienten und dienen diese Kindermalereien – so hat Silke Göttsch es in den frühen 1990er-Jahren pointiert formuliert – als „Quellen zweiter Klasse“ und damit lediglich als Illustration von Erkenntnissen, die aus Schriftquellen gewonnen worden sind. Im vorliegenden Beispiel sind sie die Türöffner für ein abstrakteres Thema – nämlich die Kulturpolitik im Ruhrgebiet der 1950er-Jahre.

Aquarellmalerei eines Zehnjährigen aus Essen, montan.dok 030002789004

Stilllegung kulturellen Erbes durch mangelnde Kontextualisierung

Was bedeutet dies für den Erbestatus dieser Objekte? In den 1950er-Jahren sahen die Vertreter des Bergbau-Museums weder eine Veranlassung, diese Objekte den Sammlungen einzuverleiben noch sie zu entsorgen. Man schrieb ihnen offenbar vielmehr eine latente, nicht ganz greifbare, Bedeutsamkeit zu. Dass ihre physische Präsenz später einmal das jahrzehntelang gepflegte Narrativ vom Bergbau-Museum als fördernde Institution einer Kultur „von unten“ ins Wanken bringen würde, war dabei wohl kaum intendiert. So lässt die inhaltlich zurückhaltende Sammlungsdokumentation der 1990er-Jahre begründet vermuten, dass die Adelung zum „Kulturerbe“ – über den bloßen Akt der Inventarnummernvergabe – ohne Kenntnisse der Zusammenhänge erfolgte, die schlicht in Vergessenheit geraten waren. Damit betrug die Latenzzeit 72 Jahre, ehe die ursprünglichen Bedeutungshorizonte als solche erkennbar wurden.

Haben die Kindermalereien nun endgültig ausgedient und sind „stillgelegt“, weil ihre Entstehungszusammenhänge aufgedeckt sind und die einzelnen Motive durch die mangelnde, kontextualisierende Dokumentation nicht produktiv für die Forschung genutzt werden können? Ikonografische Vergleiche mit Werken aus der bildenden Kunst, eine Ausstellung der Kinderzeichnungen – ggf. ergänzt durch Werke anderer Museen – oder materialanalytische Zugänge zum Farbauftrag wären Beispiele, um das latente Forschungs- und Bedeutungspotential der Quellen hervorzuheben. Was in den 1950er-Jahren unschlüssig beiseitegelegt und in den 1990er-Jahren beiläufig inventarisiert wurde, könnte also im Zuge seiner Befragung eine Statusaufwertung und Bedeutungsverschiebung erfahren. Als empirisch arbeitende Kulturwissenschaftlerin und Museumspraktikerin argumentiere ich allerdings, dass keine dieser Kindermalereien für sich genommen einen Alters-, Erinnerungs-, Kunst-, Denkmal- oder Symbolwert geltend machen kann.[2] Gemessen an anderen Objekten sind sie mit etwas über 70 Jahren nicht besonders alt. Ihre Motive sind weder ungewöhnlich noch bedeutungsschwanger oder symbolträchtig. Auch eine besondere Raffinesse in der Umsetzung fällt nicht ins Auge. Hinzu kommt, dass Kinderzeichnungen und -malereien in der Kunstsammlung des Deutschen Bergbau-Museums eine absolute Ausnahme sind. Wer von ihrer Existenz also nicht ohnehin schon weiß, wird bei Recherchen allerhöchstens zufällig auf sie stoßen. Meines Erachtens sind diese zwei Konvolute deshalb nach einer kurzen Phase des anlassbezogenen Erinnerns auf dem Weg in die Vergessenheit.

Hans-Peter Hahn warnt im Zusammenhang mit Alltagsdingen davor, Dinge zu funktionalisieren beziehungsweise ihnen eindeutige Bedeutungen zuweisen oder absprechen zu wollen. Was bedeutet dieses „in der Schwebehalten“ aber für das kulturelle Erbe in Gedächtniseinrichtungen, wenn die ursprünglichen Bedeutungszusammenhänge nur noch als Fußnoten mitgeführt oder irrelevant werden? Was bedeutet es am Ende für Sammlungsprofile, wenn jedes Ding potentiell ein bedeutsames Zeichen werden kann? Der Erbestatus der Kinderzeichnungen und -malereien ließe sich meines Erachtens lediglich aufwerten, wenn sich die Urheber:innen zu ihren Werken noch einmal befragen ließen. Letztlich zeigt dieses Beispiel einmal mehr, welchen Stellenwert Infrastrukturaufgaben in Museen haben müssen, damit Objekte nicht als stumme Zeugen einer unbestimmten Vergangenheit in den Depots verstauben.

Aquarellmalerei eines Elfjährigen aus Essen, montan.dok 030002789009


[1] Maschinenschriftliches Vortragsskript „Das Bergbau-Museum“ von Julius Raub, 08.09.1955, in: montan.dok/BBA 112/2215.

[2] Vgl. Samida, Stefanie: Kulturerbe als Herausforderung. Reflexionen zum ›Heritage-Boom‹ aus fachübergreifender Perspektive. In: WERKSTATTGESCHICHTE / Heft 64 (2013), S. 111-127. Online einsehbar: https://werkstattgeschichte.de/wp-content/uploads/2014/11/WG64_111-127_SAMIDA_KULTURERBE.pdf (29.02.2024).


Literatur

Göttsch, Silke: Universität und Museum – mögliche Begegnungen?, in: Abel, Susanne (Hrsg.): Rekonstruktion von Wirklichkeit im Museum. Tagungsbeiträge der Arbeitsgruppe „Kulturhistorische Museen“ in der deutschen Gesellschaft für Volkskunde. Hildesheim, 3. – 5. Oktober 1990, Hildesheim 1992, S. 46-52.

Hahn, Hans-Peter: Die geringen Dinge des Alltags. Kritische Anmerkungen zu einigen aktuellen Trends der Material Culture Studies, in: Braun, Karl/Dieterich, Claus-Marco/Treiber, Angela (Hrsg.): Materialisierung von Kultur. Diskurse, Dinge, Praktiken, Würzburg 2015, S. 28-42.

Hahn, Hans-Peter: How Close are Things to us? On the Relation between the Incidental and the Valuable, in: Cambridge Archaeological Journal, 30 (2020) H. 1, S. 168-172.

König, Gudrun: Auf dem Rücken der Dinge. Materielle Kultur und Kulturwissenschaft, in: Maase, Kaspar/Bausinger, Hermann/Warneken, Bernd (Hrsg.): Unterwelten der Kultur. Themen und Theorien der volkskundlichen Kulturwissenschaft, Köln/Weimar/Wien 2003, S. 95-118.

Samida, Stefanie: Kulturerbe als Herausforderung. Reflexionen zum ›Heritage-Boom‹ aus fachübergreifender Perspektive, in: WERKSTATTGESCHICHTE (2013) H. 64, S. 111-127. Online einsehbar: https://werkstattgeschichte.de/wp-content/uploads/2014/11/WG64_111-127_SAMIDA_KULTURERBE.pdf (29.02.2024).

Samida, Stefanie: Materielle Kultur und dann? Kulturwissenschaftliche Anmerkungen zu einem aktuellen Trend in der Zeitgeschichtsforschung, in: Zeithistorische Forschungen/Studies in Contemporary History 13 (2016) H. 3, S. 506-514. Online einsehbar: https://doi.org/10.14765/zzf.dok-1393 (29.02.2024).


Anna-Magdalena Heide ist wissenschaftliche Mitarbeiterin am Deutschen Bergbau-Museum Bochum, Leibniz-Forschungsmuseum für Georessourcen in Bochum.


Titelbild: Aquarellmalerei eines Zehnjährigen aus Essen, montan.dok 030002789001

Quellen: Montanhistorisches Dokumentationszentrum (montan.dok) beim Deutschen Bergbau-Museum Bochum/Bergbau-Archiv Bochum (BBA) 112/2215.

Latenz und Gewissheit. Sedimentierte Wertzuschreibungen in musealen Sammlungen

Andreas Ludwig ergründet in diesem Beitrag die Latenz in der Praxis musealen Sammelns.

Latenz meint, dass etwas da ist, und doch nicht da ist. Sie ist eine im Verborgenen liegende Zeit-Raum-Konstellation. Latenz ist nicht allein zufällig, sondern kann gleichsam auch gemacht werden. In der Praxis des musealen Sammelns erweist sich Latenz als ebenso augenscheinlich wie vorhersehbar.

Latency means that something is there and yet not there. It is a hidden time-space constellation. Latency is not only coincidental, but can also be made. In the practice of museum collecting, latency proves to be as obvious as it is predictable.


Axel Büwendt: Accidental Stories. Wanddetails in Abbruchräumen, Ausstellung 2024, (Foto: Andreas Ludwig)

Man sagt, etwas schwingt latent mit, es ist da und doch nicht da. Folgt man den Umschreibungen von Latenz, wie sie unter anderem Anselm Haverkamp, Hans Ulrich Gumbrecht, Daniel Fulda, Thomas Khurana und Thomas Strohschneider entwickelt haben, so handelt es sich um ein Phänomen des Anwesenden und zugleich Abwesenden, des „hier und jetzt und nicht hier und nicht jetzt“ (Thomas Khurana). Es geht mithin um eine im Verborgenen liegende Zeit-Raum-Konstellation. Latenz erweist sich demnach erstens immer erst im Nachhinein, indem sie erst mit ihrer Überwindung als solche erkannt wird, und zweitens immer im Konkreten. Sie kann vieles bedeuten, und nicht umsonst heißt es im Historischen Wörterbuch der Philosophie, es handle sich um einen Begriff ohne „fixierten Bedeutungshof“. Ist Latenz ein anything goes des bisher nicht Beachteten, von dem man noch gar nicht wusste, dass man es beachten könnte?

Ich möchte dem entgegenhalten, dass Latenz auch eine andere Seite hat, nämlich die des Wissens um Latenz und des Umgangs mit diesem Wissen. „Der Wedding kommt“ ist beispielsweise eine ironische Umschreibung der Vergeblichkeit positiver urbaner Entwicklung, die die Gegenwart als Latenz wahrnimmt.

In der elektromechanisch verstärkten Musik ist die Latenz (engl.: delay) seit den frühen 1950er Jahren verantwortlich für die zeitlich verzögerte Verdoppelung des Tons und bildete in der Folge eine der Grundlagen der Entwicklung des Rock ´n´ Roll.

Die augenscheinliche und vorhersehbare Latenz der Museumsdinge

Es gibt demnach eine „augenscheinliche Latenz“ und eine „vorhersehbare Latenz“ und Museumssammlungen sind ein gutes Beispiel dafür. Augenscheinlich ist, dass 406 Millionen an das Institut für Museumsforschung gemeldete Sammlungsobjekte in deutschen Museen ein dezentrales Sach-Repositorium bilden, also latent für eine Nutzung in Forschung und Ausstellung zur Verfügung stehen. Vorhersehbar ist dieser Latenzzustand insofern, als die Dinge im Lauf der Jahre von Generationen von Kurator:innen in dem Bewusstsein ihrer einstigen und zukünftigen Bedeutung zusammengetragen wurden. Gemäß den sich wandelnden Erkenntnisständen und den sich ändernden Forschungsinteressen, kulturellen Entwicklungen und Aufmerksamkeitskonjunkturen unterliegen Sammlungsschwerpunkte und Wertzuschreibungen Veränderungen, so dass von einer Sedimentierung gesprochen werden kann. Denn im Museum wird, entgegen den aktuellen Debatten um ein “Entsammeln”, eher bewahrt als weggeworfen. Kurzum: Gesammelt wird mit der Gewissheit der Bedeutung der Dinge und bewahrt unter dem Aspekt einer antizipierten Möglichkeit des Zugriffs auf die Sammlung. Man arbeitet für die Dauer, ohne zu wissen, wann der Zeitpunkt einer Inanspruchnahme gekommen sein wird. Dass eine solche Inanspruchnahme nicht notwendig unter den Fragestellungen eintritt, unter denen gesammelt wurde, liegt auf der Hand.

Latenz im Karton: Ein Dingnachlass zwischen Sammeln und Inwertsetzung durch kuratorische Bearbeitung, Dokumentationszentrum Alltagskultur der DDR, Eisenhüttenstadt, 2011 (Foto: Andreas Ludwig)

Ebenso ist deutlich, dass vergangene bedeutungsgetragene Sammlungsbemühungen die Fragestellungen der Gegenwart nicht immer zu befriedigen vermögen. Oder wie ein Museumspraktiker es ausdrückte: „Da kommen die Leute zu uns und suchen Sachen, die wir nicht haben.“ Unter der Perspektive der Latenz in Museumssammlungen heißt das, dass diese vor dem Hintergrund vergangener Bedeutungszuweisungen als Potentialität, als Wiederbefragbarkeit bestehen bleibt, ja sammelnd und bewahrend als gewiss angenommen wird. Dieses Re-„Assessement of Significance“, so der Titel eines Symposiums am Deutschen Historischen Museum (2017), beruht demnach auf der Latenz der Dinge. Genau dies hat der Kulturwissenschaftler Gottfried Korff mit seiner Unterscheidung von Deponieren und Exponieren als Museumsfunktionen bezeichnet. Dabei ist Deponieren nicht als einfaches Ablegen im Depot zu verstehen, sondern als Erhalt des ursprünglichen Zusammenhangs der Entstehung der Sammlungen, wie der frühere Präsident der Deutschen Forschungsgemeinschaft Peter Strohschneider in seinen Bemerkungen zu Universitätssammlungen hervorhob.

Praktische Latenz im Museum

Die bewahrende Funktion des Museums legt Vergleiche mit dem Archiv und der Bibliothek nahe, weshalb alle drei wahlweise als Gedächtnisspeicher (Wolfgang Ernst) oder als dispositif für Macht- und Erkenntnismöglichkeiten (Michel Foucault) interpretiert werden. Latenz ist unter diesen Perspektiven augenscheinlich und im Sinne einer gesellschaftlichen Funktion vorhersehbar, ja geplant. Die Besonderheit des Museums liegt in der durch institutionellen Kontext, Präsentation und individuelle Interpretation herausgehobenen Sammlungswürdigkeit, die hier durch Generationen von Kurator:innen geleistet wird. Es steht damit im Gegensatz etwa zum Staatsarchiv, das durch den Übergang von Registraturgut zu Archivgut charakterisiert ist, teilt aber dessen mit der Latenz des Sammlungsguts verbundene Zukunftserwartung. In historisch arbeitenden Museen spielt dieses Nacheinander von interpretativen Sammlungsaktivitäten eine herausgehobene Rolle. Der Akt des Sammelns geht dabei von zwei Prämissen aus: der kulturellen Bedeutung aus der Perspektive der Gegenwart und der zu erwartenden künftigen Bedeutung als kultureller Fundus. Bis zu seiner Nutzung verbleibt das Gesammelte in der Latenz. Ein Beispiel mag das verdeutlichen.

Programmatische Latenz: Handreichung des Samdok-Museumsverbundes von Göran Rosander, Stockholm 1980

Das 1999 gebildete Museum Europäischer Kulturen in Berlin ging aus dem unter anderem von Rudolf Virchow 1889 gegründeten Museum für deutsche Volkstrachten und Erzeugnisse des Hausgewerbes hervor. Die Neubildung des Museums Ende des 20. Jahrhunderts war Ergebnis der Reinterpretation des akademischen Fachs der Volkskunde zur – wie es in Berlin heißt – Europäischen Ethnologie. Eine der Folgen war allerdings, dass die sedimentierten volkskundlichen Sammlungen im neuen Museum in den Hintergrund der Aufmerksamkeit gerieten.

Der Sedimentbegriff ist hier insofern hilfreich, als er die wechselnden Sammlungsinteressen verdeutlicht. In seiner Gründungsphase als privater Verein (eine Integration in die Staatlichen Museen zu Berlin erfolgte erst 1904) folgte man der Konzeption des Sammelns für „Kulturbilder“, dem Interesse an der Zusammenstellung situativ dargestellter Kompositionen, wie sie etwa in Form eines „Spreewaldgehöfts“ auf der Berliner Gewerbeausstellung 1896 präsentiert wurde. Bald änderte sich jedoch die Vorstellung von einer aussagekräftigen Sammlung und man legte den Fokus nun auf das kulturvergleichende Sammeln, später noch auf Objekte des Volksglaubens, der Sitte und der Volkskunst. Nach 1945 stand vor allem im Ost-Berliner Teilmuseum das Sammeln von Arbeitswerkzeugen und dann der Arbeiter(alltags)kultur im Vordergrund. Es bildeten sich also entlang der Fachgeschichte Sedimente in den Museumssammlungen, die nach dem Ende des jeweiligen Forschungsinteresses in den Status der Latenz fielen.

Auch hier mag ein Beispiel, die museale „Objektbiographie“ von Hausmodellen, der Veranschaulichung dienen: Im Zuge der geplanten Darstellung von landschaftsgebundenen Kulturbildern in seiner Dauerausstellung wünschte das Museum die Präsentation regionalspezifischer Hausmodelle. Aufgrund mangelnder finanzieller Möglichkeiten wandte es sich an den Mäzen James Simon, der sich – wie Olaf Matthes nachgezeichnet hat – bereits zuvor für das Museum eingesetzt hatte. Simon finanzierte zwischen 1910 und 1917 die Anfertigung von 24 Hausmodellen (ein weiteres wurde von Kaiser Wilhelm II. gestiftet), die eine vergleichende Darstellung nach dem „landschaftlichen Prinzip“ ermöglichten.

Darüber hinaus beruhte die Museumssammlung auf einem Netz an Korrespondenten und sammelnden Laien-Fachleuten und deren mäzenatischen Zuwendungen. Auf diesem Weg gelangte auch die Sammlung des Gewerkschafters und Reichsarbeitsministers Rudolf Wissell (1869–1964) in den Museumsbestand, der Dokumente und Objekte zum zünftigen Handwerk zusammengetragen hatte. Seine kriegszerstörte und vermutlich auch geplünderte Sammlung legte er, wie Tina Peschel rekonstruiert hat, nach 1945 erneut an und sie gelangte als Nachlassteil 1966 an das West-Berliner Volkskundemuseum, wo sie 1967 die Basis für eine temporäre Ausstellung bildete, um danach ins Depot verlagert zu werden.

Modell eines Winzerhauses, erworben 1916 aus der James-Simon-Schenkung. Dauerausstellung des Museum Europäischer Kulturen, 2024 (Foto: Andreas Ludwig)

Das Verbindende an diesen beiden Sammlungszugängen ist das aktuelle Interesse am Erwerb und die zeitnahe Ausstellung. Nachfolgend fielen die Sammlungen jedoch in einen Zustand der Latenz, indem ihnen keine Aufmerksamkeit mehr geschenkt wurde, denn der Fokus der Museumsarbeit lag im Falle der Simon-Zuwendung nachfolgend eher auf der Volkskunst, im Falle des Wissell-Nachlasses auf anderen volkskundlichen Aufmerksamkeitsfeldern. In der aktuellen Dauerausstellung des Museums mit ihrer dezidiert exemplarisch angelegten Objektpräsentation europäischer Bezüge findet sich ein Hausmodell aus der Simon-Schenkung, auf dessen Erwerbskontext hingewiesen wird. Spuren des Wissell-Nachlasses können in der aktuellen Ausstellung jedoch nicht aufgefunden werden.

Latenz wird hier, so könnte knapp formuliert werden, durch eine exemplarische Inanspruchnahme des Objekts zu Ausstellungszwecken punktuell unterbrochen, ohne dass sie generell aufgehoben wird und als Latenz damit erkennbar werden würde. Dies bleibt einer sammlungsgeschichtlichen Wiederentdeckung vorbehalten, einer „Sammlungsarchäologie“, wie Ulfert Tschirner diese interne Latenzüberwindung bezeichnet hat. Jenseits dessen ist der Zustand der Latenz sowohl augenscheinlich wie vorhersehbar, denn jenseits aktueller Nutzung als Ausstellungsobjekte wurden die Dinge vorbehaltlos als Sammlungsobjekte angesehen: Man erwarb sie, auch, um sie verfügbar zu haben.


Literatur

Olaf Matthes: James Simon. Mäzen im Wilhelmischen Zeitalter, Berlin 2000.

Peter Strohschneider: Faszinationskraft der Dinge. Über Sammeln, Forschung und Universität, in: Denkströme. Journal der Sächsischen Akademie der Wissenschaften 5 (2012), H. 8, 9–26.

Anselm Haverkamp: Latenz. Zur Genese des Ästhetischen als historischer Kategorie, Göttingen 2021.

Ulrich Steinmann: Die Entwicklung des Museums für Volkskunde von 1889 bis 1964, in: Staatliche Museen zu Berlin (Hg.): 75 Jahre Museum für Volkskunde zu Berlin 1889–1964. Festschrift, Berlin (DDR) 1964, 7–47.

Hans-Gerd Janssen, Karl-Heinz Brune, Ute Schönpflug: Art. Latent, Latenz, in: Joachim Ritter, Karlfried Gründer, Gottfried Gabriel (Hg.): Historisches Handwörterbuch der Philosophie, Bd. 5: L–Mn, Basel 1980, 39–46.

Thomas Khurana: Latenzzeit. Unverdenkliche Nachwirkung: Anmerkungen zur Zeitlichkeit der Latenz, in: ders., Stefanie Diekmann (Hg.): Latenz. 40 Annäherungen an einen Begriff, Berlin 2007, 142–147.

Regine Falkenberg, Thomas Jander (Hg.): Assessment of Significance. Deuten – Bedeuten – Umdeuten, Berlin 2018.

Tina Peschel: Rudolf Wissell und seine Sammlung zum alten Handwerk im Museum Europäischer Kulturen – Staatliche Museen zu Berlin, in: Hessische Blätter für Volks- und Kulturforschung, Bd. 51, Marburg 2017, 77–88.

Ulfert Tschirner: Sammlungsarchäologie. Annäherung an eine Ruine der Museumsgeschichte, in: Kurt Dröge, Detlef Hoffmann (Hg.): Museum revisited. Transdisziplinäre Perspektiven auf eine Institution im Wandel, Bielefeld 2010, 97–112.


Andreas Ludwig ist assoziierter Wissenschaftler am Leibniz-Forschungsverbund “Wert der Vergangenheit”. Neben vielen weiteren Projekten war er von 1993 bis 2012 Leiter des Dokumentationszentrums Alltagskultur der DDR in Eisenhüttenstadt.


Titelbild: Sammlung Dokumentationszentrum Alltagskultur der DDR, Eisenhüttenstadt, 2011 (Foto: Andreas Ludwig)

Die “chinesische” Synagoge von Międzyrzecz und das jüdische Erbe in den ehemals deutschen Gebieten Polens

Magdalena Abraham-Diefenbach veranschaulicht in diesem Beitrag anhand eines aktuellen Beispiels die latente Dynamik von Erinnern und Vergessen.

Das Synagogengebäude in Międzyrzecz ist Teil des kulturellen Erbes der deutschen Juden in Westpolen. Seine Geschichte veranschaulicht die latente Dynamik von Erinnern und Vergessen durch verschiedene nationale Gruppen und gesellschaftliche Akteure.

The synagogue building in Międzyrzecz is part of the cultural heritage of German Jews in western Poland. Its history illustrates the latent dynamics of remembering and forgetting by various national groups and social actors.


Das jüdische Kulturerbe hat in Europa nach dem Holocaust einen besonderen Status. Insbesondere Synagogen und jüdische Friedhöfe sind Objekte zivilgesellschaftlicher und politischer Praktiken und Manifestationen. Eine besondere Situation ergibt sich in den ehemals deutschen Gebieten, die nach dem Zweiten Weltkrieg Teil Polens wurden. Denn die Geschichte der deutschen Juden unterscheidet sich von derjenigen der polnischen Juden – ein in Polen produziertes Narrativ schließt regionale Unterschiede aber oft aus. Das 1945 vorgefundene jüdische Erbe wurde zumeist als deutsch definiert und behandelt. Die Beseitigung, Entdeckung und Aneignung des deutschen Kulturerbes in den verschiedenen Phasen der Nachkriegsgeschichte korrelierte wiederum mit der deutschen Ostpolitik, der Anerkennung der Oder-Neiße-Grenze, dem Ende des Kalten Krieges und dem Beitritt Polens zur Europäischen Union.

Groß- und kleinstädtische Narrative über die Vergangenheit

In den größeren Städten West- und Nordpolens wie Wrocław, Olsztyn oder Szczecin hat sich in den letzten beiden Jahrzehnten ein multikulturelles Narrativ über die wechselvolle Vergangenheit der Städte etabliert. Anders stellt sich die Situation in den kleineren Städten und Dörfern der Regionen dar. Międzyrzecz (Meseritz) etwa war über Jahrhunderte eine großpolnische Grenzstadt – zwischen Brandenburg/Preußen und dem Königreich Polen, geprägt von Migration und deutsch-polnischer Koexistenz. Juden siedelten seit dem Mittelalter in der Stadt, vertrieben oder geflohen vor der Verfolgung in Brandenburg bzw. den westlichen Gebieten des heutigen Deutschlands, und stellten zeitweise bis zu 30% der Stadtbevölkerung.[1] Seit 1793 gehörte Międzyrzecz zu Preußen, in der Zwischenkriegszeit zu Deutschland. Heute hat die Stadt 17.000 Einwohner. Eine mittelalterliche Burgruine und eine lokale Märtyrerlegende[2] sind Teil der polnischen Nationalerzählung und ein Grund dafür, dass das Regionalmuseum hauptsächlich aus nationalen Mitteln finanziert wird. In Międzyrzecz haben zwei der bedeutendsten Herrscher der Piastenzeit ihre Spuren hinterlassen. An ihnen orientierten sich die ideologischen Integrationsbemühungen der 1945 nach den Beschlüssen von Jalta und Potsdam an Polen angeschlossenen Gebiete. Im Zentrum steht die erhaltene klassizistische Synagoge. Der jüdische Friedhof „musste“ einer Schnellstraße weichen.

Von 1938 bis Ende der 1990er Jahre wurde die Synagoge in Międzyrzecz als Lagerhaus genutzt. Foto: Stanisław Błaszczyk, 1966, Institut für Denkmalpflege und Konservierung an der Nikolaus-Kopernikus-Universität in Toruń

Das Mit- und Gegeneinander von lokalen Akteuren (Stadt- und Kreisverwaltung, lokaler Verein, private Unternehmer) und nationalen Akteuren (Ministerium in Warschau) in den letzten 30 Jahren zeigt eine interessante Dynamik des Vergessens und Entdeckens.

Die Synagoge

Während die Synagoge von Międzyrzecz nach ihrem Bau im Jahr 1824 noch inmitten des jüdischen Viertels hinter einer Häuserzeile versteckt war, präsentiert sie sich seit der Zerstörung der Stadt durch die Rote Armee 1945 als freistehendes Gebäude. Der zur Schau gestellte Verfall und die neuen Funktionen kontrastieren mit dem ursprünglich repräsentativen, aber baulich versteckten Charakter des Gebäudes. In den 85 Jahren seit der ersten Zweckentfremdung schien das Gebäude latent seine Bestimmung und Geschichte zu erzählen.

Bereits 1938, nach den Novemberpogromen, wurde die Synagoge als Lager genutzt. Als sogenanntes ehemals deutsches Eigentum übernahm der polnische Staat das Gebäude nach dem Zweiten Weltkrieg. Ein staatliches Unternehmen nutzte es weiter als Lager. In dieser Zeit wurden keine größeren Renovierungsarbeiten durchgeführt. Stattdessen mauerte man die Fenster zu und brach eine neue Eingangsöffnung in die Ostwand. Im Juni 1963 wurde das Synagogengebäude in die Denkmalliste eingetragen. Nach 1989 fand die sog. Kommunalisierung des Staatseigentums statt und die Stadt Międzyrzecz wurde Eigentümerin des Synagogengebäudes. Das Gebäude stand teilweise leer, teilweise wurde es als Lager, Möbelgeschäft und Flaschenverkauf genutzt. Ende der 1990er Jahre klassifizierte die Denkmalbehörde das Gebäude jedoch als dringend restaurierungsbedürftig bzw. als vor weiteren Zerstörungen zu schützen.

Innenansicht der Synagoge vor der Renovierung, Blick auf die nicht mehr vorhandene Empore. Foto: Andrzej Paśniewski, 2001, Muzeum Ziemi Międzyrzeckiej

Restitution an die Jüdische Gemeinde in Stettin

2001 ging die Synagoge von Międzyrzecz in den Besitz der jüdischen Gemeinde im 150 Kilometer entfernten Szczecin über. Die Gemeinde formulierte Pläne für die Entwicklung der Synagoge: „Nach den notwendigen Renovierungsarbeiten werden wir sicherlich ein Museum einrichten – eine Gedenkstätte für die jüdische Präsenz. Das heißt, eine Art Dauerausstellung, die den Lebensstil, die Kultur und die Religion der Gemeinde zeigt, die bis zum Zweiten Weltkrieg existierte“.[3] Die Stadtverwaltung in Międzyrzecz hoffte, „dass die Stettiner Gemeinde die Synagoge renoviert und sie in eine Art Kulturzentrum mit einer Gedenkstätte und einer Ausstellung von Erinnerungsstücken an die Juden von Międzyrzecz, einem Konzertsaal und einem Ort für Gebete verwandelt“.[4] Entgegen den Hoffnungen ist die Gemeinde in Szczecin nicht aktiv geworden.

Lokaler Verein und jüdisches Kulturerbe

Im Februar 2002 entstand in einem lokalen Verein die Idee, die baufällige Synagoge zu retten und dort ein historisch-kulturelles Zentrum einzurichten. Włodzimierz Włodarski, der damalige Bürgermeisterkandidat und Vereinsvorsitzende, überzeugte im Februar 2002 Mikołaj Rozen und andere Vertreter der Jüdischen Gemeinde Szczecin, die Synagoge unter die Verwaltung der Gruppe zu stellen. Ein Konzept formulierte erste Ideen für Aktivitäten im historischen und künstlerischen Bereich. Als Vorbild diente das Kulturzentrum „Pogranicze“ (Grenzland) in Sejny an der Grenze Polens zu Litauen.[5] Die Initiative stellte das Konzept der Partnerstadt Berlin-Wilmersdorf vor und hoffte auf finanzielle Unterstützung aus Deutschland.

Letztlich gelang es nicht, die geplanten Maßnahmen umzusetzen. Włodarski verlor die Bürgermeisterwahl, finanzielle Mittel für die kostspielige Renovierung fehlten und die Stadtverwaltung engagierte sich nicht weiter. Die damaligen Akteure sahen das vernachlässigte Synagogengebäude offenbar sowohl als Problem als auch als Chance: Die Synagoge wurde als möglicher Raum für Dialog und Kultur wahrgenommen.

Synagoge während der Renovierung um 2006. Foto: Archiv des Museums des Meseritzer Landes (Muzeum Ziemi Międzyrzeckiej)

“Chinesische Synagoge”

Im September 2003 übergab die Jüdische Gemeinde Szczecin die Synagoge in Międzyrzecz der Stiftung zur Erhaltung des jüdischen Erbes in Warschau. Im Dezember 2004 verkaufte die Stiftung die Synagoge an eine Privatperson. Seitdem hat die Synagoge mehrmals den Besitzer gewechselt. Zwischen 2005 und 2007 renovierte der damalige Eigentümer das Gebäude. Im Inneren wurde die Empore entfernt und der gesamte Raum durch eine Decke geteilt. Die Decke umschließt den erhaltenen, denkmalgeschützten und restaurierten Rahmen des Toraschreins (Aron ha-Kodesch), den Ort, in dem in einer Synagoge die Torarollen aufbewahrt werden.

Zwischen 2007 und 2021 beherbergte das Synagogengebäude ein chinesisches Geschäft. Foto: Łukasz Bednaruk, 2015, Muzeum Ziemi Międzyrzeckiej

Nach der Renovierung beherbergte das Gebäude ein Einkaufszentrum, das bis etwa 2021 durch chinesische Pächter betrieben wurde. In dieser Zeit wurde das Gebäude als „chinesische Synagoge“ bezeichnet und galt als eigentümliche Kuriosität.[6]

Das Innere der restaurierten Synagoge während ihrer Nutzung als „China-Laden“.
Produktion: Studio Filmowe Internetowego Portalu Ziemia Międzyrzecka www.miedzyrzecz.biz / Międzyrzecka Telewizja Internetowa iTV Międzyrzecz, 2015

Plan: Museum

Ende 2021 stand die Synagoge schließlich erneut zum Verkauf. Dank der Bemühungen des Direktors des Regionalmuseums Andrzej Kirmiel und seiner Gespräche mit Jarosław Sellin, dem damaligen Staatssekretär im von der PiS-Partei regierten Kulturministerium, kam es im Herbst 2023 zum Kauf der Synagoge durch das Museum, das eine Zweckförderung vom Ministerium erhielt (bereits unter der PO-Regierung). Es ist geplant, eine Dauerausstellung zur Geschichte der Juden im brandenburgisch-großpolnischen Grenzland in dem Gebäude einzurichten.

In der vom Kulturministerium erworbenen Synagoge soll ein neues Museum zur Geschichte der Juden in der Grenzregion Brandenburg-Großpolen entstehen. Foto: Magdalena Abraham-Diefenbach, 2024

Latenz der Überlappung

Międzyrzecz liegt in einem Gebiet, das durch eine Überlappung geprägt ist. Aus der deutschen Perspektive gehört es zum „verlorenen Osten“, aus der polnischen zu den „wiedergewonnenen Gebieten“. Geschichten des Verlustes vermischen sich hier mit Fragen der ideologischen Legitimation und politisierten Narrativen. Die Stimme und die Geschichte der Juden fehlen jedoch. Sowohl bei der Aufnahme in die Denkmalliste 1963, bei den zivilgesellschaftlichen Bemühungen um ein Kulturzentrum oder Museum um 2000, bei der Renovierung und beim Kauf der Synagoge 2023 als auch bei den aktuellen Bemühungen spielen die Eigentumsverhältnisse und die zeitspezifische Haltung zum materiellen jüdischen Erbe, das kulturelle Kapital der Entscheidungsträger und ihre finanziellen Möglichkeiten eine Schlüsselrolle. Es bleibt abzuwarten, ob sich aus diesem latenten Zustand in den nächsten Jahren die Erzählung einer vielschichtigen Geschichte dieses Ortes entwickelt.


[1] Andrzej Kirmiel: Żydzi w Międzyrzeczu [Juden in Meseritz], Międzyrzecz 2021, S. 8.

[2] Aleksandra Janicka: X Pielgrzymka Mężczyzn do Kolebki Chrześcijaństwa i Polskości [10. Männerpilgerfahrt zur Wiege des Christentums und Polens], https://gorzow.tvp.pl/62695754/x-pielgrzymka-mezczyzn-do-kolebki-chrzescijanstwa-i-polskosci (19.07.2023).

[3] Muzeum w synagodze [Das Museum in der Synagoge]. Interview mit Stefan Miller, Gazeta Wyborcza, 16/17.6.2001.

[4] Renata Ochwat (Roch): Zwrot synagogi. Międzyrzecz. Bożnica wróci do Żydów [Rückkehr der Synagoge. Międzyrzecz. Die Synagoge wird den Juden zurückgegeben], Gazeta Wyborcza, Beilage Gazeta Zachodnia, Presseausschnitt ohne Datum.

[5] https://pogranicze.sejny.pl/

[6] Magdalena Abraham-Diefenbach: The Synagogue in Międzyrzecz. A History of the Various Attempts to Protect the Monument, in: Christhardt Henschel, Ruth Leiserowitz, Kamila Lenartowicz, Neele Menter und Zuzanna Światowy (eds.): “Jewish or Common Heritage? Appropriation of Synagogues in East-Central Europe since 1945”. Einzelveröffentlichungen des Deutschen Historischen Instituts Warschau, fibre-verlag Osnabrück 2024 (in Vorbereitung).


Literatur

Hahn, H. P., Neumann, F. (Hg.) (2018). Dinge als Herausforderung. Kontexte, Umgangsweisen und Umwertungen von Objekten. https://doi.org/10.14361/9783839445136

Institut für angewandte Geschichte (Hg.) (2008). Terra Transoderana. Zwischen Neumark und Ziemia Lubuska.

Kuszyk, K. (2022). In den Häusern der anderen. Spuren deutscher Vergangenheit in Westpolen.

Tomaszewski, A. (2012). „Kresy utracone” – „ziemie odzyskane” [„Verlorener Osten“ – „Wiedergewonnene Gebiete“], in: ders.: W kierunku nowej filozofii dziedzictwa [Zur neuen Philosophie des Kulturerbes], ausgewählt und herausgegeben von Ewa Święcka, 293.


Magdalena Abraham-Diefenbach ist wissenschaftliche Mitarbeiterin am Lehrstuhl für Denkmalkunde der Europa-Universität Viadrina in Frankfurt (Oder).


Titelbild: Die leere Synagoge in Międzyrzecz. Die Zwischendecke umgibt den restaurierten Aron ha-Kodesch. Foto: Magdalena Abraham-Diefenbach, 2024